el proyector

Gone Baby Gone (2007), Ben Affleck dirige

2012-02-12T12:38:00.000-08:00

Me da risa la gente moralista, se refugian en un dogma que les dice que es lo correcto y que lo incorrecto, su pensamiento es como una caja de hierro, rígida y cuadrada, difícil de penetrar o romper. Lo que me da risa es que todo es tan subjetivo que lo correcto o incorrecto es variable. Al final ha resultado que la vida no es como me contaron, la vida es compleja y decidir es difícil. So… que lo haga cada quien, cada uno que elija que es lo correcto o lo incorrecto para sí mismos mientras no dañen al prójimo. Porque decidir que es correcto para otros es jodido, puedes hacer un gran daño, puedes perjudicar incluso (o sobre todo) cuando tienes “buenas” intenciones.

En el maravilloso film de Ben Affleck, Gone Baby Gone (2007), ese es el conflicto: ¿Qué es lo correcto? ¿Alguien puede saberlo? Yo creo que no, y Affleck , quien ademas de dirigir, escribió el guión basado en una novela de Dennis Lehane, el autor de Río Místico, también por eso pone en la conciencia del espectador aquella pregunta enojosa.

Casey Affleck, hermano de Ben, Morgan Freeman, Ed Harris, Michelle Monaghan, entre otros, actúan en esta gran película del cine independiente norteamericano, cuyo mensaje al comienzo es algo confuso, la película en su inicio parece que nos va a contar una clase de historia triste, pero simple y básica: una niña perdida y su búsqueda. El mérito del director es engañarnos, para finalmente mostrarnos una historia que posee un guión perfecto que te muestra como es peligroso ir por la vida creyendo tener la razón, porque esta última nunca se sabe de que lado esta, si es que existe un lado y no fluctua dependiendo de quien la mire.

Cuando veas la película busca algo más de lo evidente, espera a la mitad, mírala transcurrir y piensa cuando fue la última vez que creíste tener razón, piensa bien la respuesta y no tengas miedo a desautorizarte. Ya sabes que censurarte tu propia vida vale, pero la ajena... eso ya es como mucho atrevimiento... Después de verla quizás se te quiten las ganas.

Calificación: 10/10

2 Discos “raros” de Whitney Houston

2012-02-12T09:09:00.000-08:00

La música y el deseo cuando tienen en común… la música y el placer cuanto tienen en común… a lot… Yo obtengo y obtuve mucho placer escuchando estos discos, que creo no se conocen del todo, al menos de este lado del mundo, hablar de los éxitos es llover sobre mojado… so… hablemos de otros momentos de la discográfica de Whitney Houston, de dos cds también imprescindibles (al menos para mi) Enjoy!

My Love Is Your Love (1998)

Este disco salió en 1998, lo recuerdo claro porque lo compré unos años después, estaba casada y vivía lejísimo, así que me lo llevaba en un Discman que tenia cuando iba a la Universidad. Una peculiaridad de este cd, es que esta lleno de muchos dúos, algunos me gustan más que otros, se nota que desde Jermaine Jackson (Take good Care of my heart, Nobody loves me like you do), para acá la cantante norteamericana nunca perdió la costumbre de cantar con otros. Es un disco del cual sonaron muchísimo: It's not right but it's okay, cuyo video es genial, Whitney aparece con un vestido y maquillaje impecables, Heartbreak Hotel a dúo con Faith Evans y Kelly Price, My love is your love, que da titulo al disco, When you believe a dúo con Mariah Carey, If I told you that, tema del cual grabó una versión estupenda con George Michael, In my business a dúo con Missy Elliott, I learned from the best, de mis favoritas, la versión balada y la versión remix (aprendí mucho inglés con ese tema), Oh Yes, amo los coros de esa canción y el arreglo de las voces, del cual W.Houston siempre participaba, Get it back, I bow out, You'll never stand alone, I was made to love him y la mejor, un tema que expone a una Whitney Houston cantando en un estilo clásico: Until you come back, si quieren oírla cantar "de verdad" busquen esa canción.

Calificación: 10/10

The Preacher's Wife (1996)

Como ya estaba en eso de la actuación, gracias a El guardaespaldas y Waiting to Exhale del año anterior, Whitney Houston participó en 1996, con Denzel Washington en esta película estilo Disney, que la verdad, lo mejor que tiene es el soundtrack. Viaje a Brasil, y lo que mas recuerdo es que iba en el carro escuchando este disco: una verdadera joya. No soy católica practicante ni nada que se le parezca, pero la voz de Whitney Houston cantando estas canciones gospel me encanta, ya me habia enamorado de un tema en esa onda, por la banda sonora de El Guardaespaldas: Jesús Loves me, pero con este álbum aprendí a amar esa forma de rezar cantando.

"I believe in you and me" que tiene dos versiones en el disco fue nominado a los Grammy, Step by Step, sonó machismo, Joy, Hold on, Help is on the way, I go to the rock, I love the lord, Somebody bigger than you and I, You were loved, My heart is calling, Who would imagine a king, He's all over me, The lord is my shepherd, Joy to the world son otras canciones que no tienen desperdicio.

Calificación: 10/10

Whitney Houston

2012-02-11T20:05:00.000-08:00

Contraportada de uno de mis discos favoritos.

Anoche vi El Guardaespaldas otra vez y recordaba que la primera vez que la vi tenia 12 años, pensé que seguía estando enamorada de una cantante negra que fue mi ídolo y modelo en la niñez. Creo que lo he escrito un millón de veces, que de niña y joven, y después, quería caminar como ella, verme como ella y gracias a dios nunca quise cantar como ella. No habría podido.

Para mi esto es personal y quisiera escribir algo semejante a tu voz, pero no puedo. Nunca seré tan buena escribiendo como tú lo fuiste cantando.

A mí si la música me ha cambiado la vida y me sobrecoge, más que los libros quizás, más que el cine. Y conocerte a ti cambio mi vida.

Conocerte a través de la música y de una película que vi a los 12 años y de la que nunca me he podido desconectar, semanal escucho los diálogos, escucho tu voz que ya me se de memoria. Después de esa cinta vinieron tus discos, empecé a coleccionar todo y ya nunca más pude separarme de lo que eras para mí: un ídolo es un ídolo por más viejo que uno se haga.

Que tu voz es la mejor de tu generación, hermosa y poderosa, eso ya se sabe, no voy a escribir lo obvio, por eso el vinculo, por todo lo que me dices cuando cantas. Por todo lo que me haces bailar y ser feliz cuando cantas.

No sé en que momento comencé a hacerme adulta y tu comenzaste a hacerte mayor, no se que hiciste todos estos años que te perjudicaste o si lo sé, pero nunca me importo y nunca deje de comprar tus discos ni escucharte y menos de admirarte. Jamás, nunca entenderé que te pasó, solo sé que debiste desafiar el cliché de talentosa y loca, talentosa y alma perdida. No lo hiciste, lo intentaste, pero quien sabe que paso contigo, no debiste morir tan joven y mucho menos perder tanto tiempo en la desgracia, tu voz es luminosa, tu vida debió serlo mas.

Contigo me siento gay, mirándote, escuchándote. Quizás es una costumbre infantil, pero aprendí a imitarte, año tras año, casada, divorciada, soltera, he ido a la peluquería y me he cortado el pelo como tú, te he copiado la moda, el maquillaje. Si yo de niña quería ser como tú y sigo intentándolo cuando me corto el pelo.

Sabes que tengo TODO lo que hiciste, cada cd, incluso esos que pasaron desapercibidos (The Preacher's Wife me acompañó en un viaje a Brasil, Just Whitney... fue la banda sonora de mi nueva vida post divorcio) después del gran éxito que fue para tu carrera el soundtrack de El Guardaespaldas. Tengo todos y sé de memoria canda canción que grabaste me atrevería a decir, y sé que tienes una carrera valiosa y consistente como tu voz.

Ahora siento que algo en el mundo falta, al menos en MI mundo, porque contaba contigo como un mantra, como un santo de esos a los que la gente le prende velas o llevan en la cartera en estampitas.

“Mis dioses están en la tierra” decía Julio Cortázar y puedo suscribir la frase, porque tu eras –y eres- uno de ellos.

Al principio escribí que esto es personal y lo es, no escribo como critica de cine o de música o como una admiradora cualquiera.

Para mi que nunca te conoci siempre fuiste algo mas, no puedo ser objetiva ni escribir un articulo despersonalizado. Llevo la noche llorando desde que me enteré que ya no estas en este mundo, no sé que podría decirte, no se que decirme a mi misma. Solo que ahí esta y estará tu música, yo nunca me olvidaré de ti porque no tengo que recordarte, estas y punto.

Aunque fuiste una perfecta desconocida, creo que me vincule mas contigo que con mucha gente. Te amo Whitney, ojala y podamos vernos, no se a donde fuiste, pero rezo por vos como en la canción de Charly García.

Fuera de Foco de Eva Ekvall

2012-02-09T15:43:00.000-08:00

A mi me gustó mucho “Fuera de foco”, me gusta la escritura confesional, los diarios, esa clase de texto donde la gente se descubre. “Verdad” es “belleza” es una regla (si es que existe eso) en literatura, y Eva Ekvall cuenta muy bien lo que cuenta. Lo que pasa es que leerlo ahora afecta. Lo leí en un solo día, por lo entretenido, y terminé soñando con E.Ekvall, seguramente influyó lo que le paso después…pero creo que fundamentalmente porque su tono para narrar te muestra el cáncer de un modo frontal.

En fin… el libro, mas allá de lo confesional y lo real y el cáncer, esta muy bien escrito. Es muy grato encontrar una voz diferente, amena e inteligente al contar, que no es precisamente un autor literario.

El mensaje llega, los dos mensajes que yo obtuve de la lectura de ese libro: el primero que hay que examinarse y ser precavidas en lo posible y el segundo que si te toca, ten los brios, el valor y la buena actitud que tuvo esta chama (porque era una chama, jovencísima) para enfrentar la vida tal y como viene. Tratando de sacar lo mejor, de encontrar lo mejor, de abrir puertas que parecían cerradas. Y que quizás, a pesar de lo aparente, ella dejó abiertas.

De corazón espero que sea así.

Calificación: 10/10

Historias de Cine: El sexo no es bueno, pregúntale a tu mamá

2012-02-06T22:08:00.000-08:00

Para alguien que me dijo un día… lo que no voy a repetir

Se supone que el sexo es divertido, pero a la vez parece que hiere la conciencia de la gente. Todos quieren ponerse de cabeza, agitarse encima de otros, pero cuando se habla de ello sucede el cataclismo, cuando se muestra, cuando es publico. Dos actrices llenaron su vida fílmica de mucho sexo y la fama, el furor, el escándalo, llenó su vida personal y profesional de fracaso y excesos, veamos como…

Maria, bailando sin ganas

María Schneider fue famosa a los 19 años cuando filmó junto a Bernardo Bertolucci: El último tango en París, luego su carrera se vio opacada por su imagen de símbolo sexual, y el escándalo. La actriz quien ha acusado a su pareja de filmación Marlon Brando de haberla “violado” de algún modo, al realizar la famosa escena de la mantequilla, en confabulación con el director, nunca tuvo hasta sus 58 años otro papel memorable, su carrera se vio eclipsada por su temprana celebridad.

La actriz trabajo también en “El Pasajero” de Michelangelo Antonioni, junto a Jack Nicholson, además de en otras películas hasta su muerte en 2011. Sin embargo su imagen pública estuvo siempre impregnada por sus circunstancias personales conflictivas: drogas, romances con mujeres, intentos de suicidio, locura, ansiedad y descontrol.

En una entrevista antes de su muerte en 2011, la propia Maria dijo: “No era más que un bebé de 19 años. No es bueno ser famosa a esa edad. No tenía novios. Era virgen”, fue inocente, pero no en el cine donde todavía sobrevive su imagen irreverente de pelirroja amante de un americano sexy cuarentón.

Linda se arrepiente

Tuvo el clítoris en la garganta en el cine, y en realidad la envidie mucho cuando por recomendación de un novio la vi en “Garganta Profunda”, pensé: “He aquí una maestra”, “He aquí una mujer con talento”, pero Linda no pensó lo mismo años después cuando confesaría su arrepentimiento por haber pecado al trabajar en la cinta más famosa de la historia del cine X.

Al igual que La Lupe, cantante latina que renegó en la vejez de su vida llena de excesos, Linda Lovelace llegó a decir que “cada vez que alguien ve ese film, están siendo testigos de mi violación”.

Más allá de sus impresiones, lo cierto es que el éxito que tuvo la actriz en Garganta Profunda, no volvería a repetirse en su carrera, ya que su imagen en el film de Gerard Damiano la inmortalizaría para bien o para mal.

Como ironía, ella se convirtió años después en una figura emblemática del movimiento feminista norteamericano y una luchadora contra la pornografía y sus peligros. También murió, al igual que María, sin exceder la cincuentena.

Discos latinos de los 90 (1)

2012-02-04T18:07:00.000-08:00

“El tiempo nos hace viejos y la obra se vuelve arte” dijo Emmnuel en 2011, sucede con algunos, con los que realmente aportaron algo y son buenos, porque el tiempo además de volvernos viejos se lleva lo prescindible y nos deja lo que realmente convocó emociones. Y eso lo hacen los buenos cantantes y las buenas canciones. El pop ese universo muchas veces cuestionado, tiene buenas canciones, grandes canciones, divertidas, sexys…

Casi todos los temas de “Esta Aventura”, Emmanuel (1994), están compuestas por Victor Victor (que gracioso esa manía de los artistas de usar un nombre artístico doble…) y forman un cuadrito perfecto, tanto en arreglos como en letras, que hablan de amor, pero sin melaza ni cursilería. Bueno… el amor es rosa, como escribió Natalia Lafourcade, quizás es inevitable que sea un pelo cursi, pero más que rosado, “Esta aventura” es intenso, es sexy, es como para bañarse con frío de noche, para escucharlo en un hotel, mirarse a la cara… y… ¿Qué más puedes pedirle a la vida? Nada.

El mayor rasgo distintivo de este disco es la calidad de las letras y el orden o coherencia en los arreglos de cada canción, creo que perfectamente puedes escuchar el disco completo sin tener que saltar una canción. Me gusta de “Esta aventura”, la que da titulo al disco, que mi papá desgastó al repetirla como energúmeno en la sala de mi ex casa cuando tenia 14, Quiero un beso, No me pidas, Alondra (con un arreglo y unos coros interesantes, escuchen y me dicen…), Desatino (casi un bolero), No vale la pena (divertida…) y sobre todo: “Loco Manso”, la canción estrella… mi favorita del hermano de Richard Gere (¿han notado cuanto se parecen el actor de Holywood y Emmanuel?) de este disco, que realmente no tiene desperdicio.

Calificación: 10/10

No tengas miedo, España (2011)

2012-02-02T05:35:00.000-08:00

Me gusta la reinvención, dejar de ser quien uno es, dejar de lado la mierda del pasado, la mierda de la infancia. Me gusta, aunque hay temas muy sórdidos, secretos muy sórdidos que la gente no anda contando por ahí ni anda dejando de lado, así porque si. Les cuesta olvidar, pero también recordar... Que miedo eso, cosas que uno no se imagina le pasan a la gente en la niñez, situaciones que se convierten en lesiones del alma, largas y difíciles de cicatrizar.

Lo más asqueroso de “No tengas miedo” dirigida por Montxo Armendáriz, es que parece demasiado real, los actores son tan buenos que te dan asco, sobre todo Lluís Homar, que casi sin hablar deja traslucir la verosimilitud de su personaje.

En la cinta vemos al personaje de Silvia en diferentes etapas de su vida, tratando de dejar atrás su pasado (que no es tal porque lo tiene muy presente) y comenzar de nuevo. Las circunstancias sórdidas de lo que ha sido su vida familiar se narran en un film lleno de detalles y escenas pequeñitas que traslucen –precisamente a través de los detalles- los pormenores de una hitoria muy humana, pero muy retorcida.

¿Si me gusto? Si, es entretenida y a la vez sorpresiva, por el complicado arte de lavar la ropa sucia lejos de casa.

Calificación: 10/10

El cine que nos falta por ver/ Con Marlon Brando: On the Waterfront (1954)

2012-01-31T18:30:00.000-08:00

Marlon Brando quiere redimirse en esta cinta de Elia Kazan, todo el mundo (o al menos aquellos que tienen aspiraciones) de haber fracasado o no estar tan satisfechos, creen que pudieron haber tenido una vida mejor, que de no haber sido por sus circunstancias, sus destinos habrían sido otros. Algo más o menos así le dice Terry Malloy (Marlon Brando) a su hermano en la famosa escena del carro en "On the Waterfront"1954.

La escena de “La Ley del silencio”, como se llamó el film en español fue comentada por Brando en una entrevista posterior: “En una película que yo actuaba, llamada La Ley del silencio, había una escena en un taxi, en la que me confió con mi hermano, que va a entregarme a los gánsters y yo me lamento de que nunca me cuidó, que nunca me dio una oportunidad… No era la escena… Hay otras escenas donde encontrarás actores que lo hagan bien, pero desde el momento que el público no pueda identificarse, pasaran desapercibidas… Las escenas maravillosas nunca se mencionan solo las que afectan a la gente” dice el actor quien afirmó que ninguna película es una obra de arte, ni las suyas y que como actor era "un hombre de negocios" que sabia defenderse en su trabajo, no un artista.

“Deberías haberte encargado de mi Charley” le dice un lloroso Malloy a su hermano en el film del que recuerdo especialmente ese fragmento, que es, tal como se le atribuye en la historia del cine mundial, uno de los mejores momentos interpretativos de Brando, ya que trasluce a la perfección el sentimiento de impotencia de haber “perdido” la gran parte de su vida en nada.

El medio hostil, la soledad y la desesperación de tener que callar para sobrevivir o vivir en el miedo unen a los personajes de esta cinta y a la vez los somete a la encrucijada de tener que decidir su camino y trabajar en él (para intentar trastocarlo), como si de ello dependiera el último hálito de sus vidas.

Brando esta más sexy que nunca (perdón) y Elia Kazan entrega una película que no tiene desperdicio, cine con alma de ese que siempre uno quiere volver a ver.

Los motivos “políticos” del director para su realización los dejo de lado, así como también los premios Oscar que obtuvo la cinta, parafraseando a Brando los premios son una completa porquería sin importancia.

Calificación: 10/10

I Don't Know How She Does It (2011)

2012-01-25T16:38:00.000-08:00

Nada de drama, nada de Fellini, nada de autor, nada profundo, y recordando en mucho a Diario de una niñera, la narración a modo de documental y voz en off ayudan a presentar esta historia de un modo mucho más activa. Particularmente, tenia meses detrás de “I Don't Know How She Does It” (2011), porque me llama la atención ese tema de estar muy ocupada y hacer mil cosas a la vez.

Me sucede, estoy colapsada, lo he estado desde hace tiempo, he tenido dos trabajos, tres trabajos, una casa, un perro, unos textos que corregir… En fin, la vida que siempre esta en movimiento te lleva a no dejar en blanco ni un solo minuto.

Como Kate (Sarah Jessica Parker) yo también hago listas de cosas pendientes y de noche me cuesta dormirme, pensando en las miles de cosas que tengo que hacer, claro que no tengo niños ni un esposo como es el caso del personaje de la actriz en esta cinta que recibió al parecer una criticas esquivas y que no ha llegado (ni llegará quizás) a la cartelera nacional.

Comedia sencilla sobre el doble rol femenino o el modo en que las mujeres “modernas” se dividen entre “tener una vida” y complacer el resto del mundo (el esposo, los hijos, la familia), la cinta dirigida por Douglas McGrath, y protagonizada por Sarah Jessica Parker y Pierce Brosnan, entretiene, es divertida seas o no mujer, tengas o no hijos.

Un modo muy americano de enfocar un tema, que ha sido tocado con profundidad y conflicto (Por tu culpa/Argentina/2010) y en el que muchas mujeres se verán identificadas, sobre todo aquellas que no quieren dejar morir sus instintos maternales, pero tampoco bajarse del tren de la modernidad que las lleva a tener una vida propia: carrera, trabajo.

Aunque no sientas identificación, es really funny el caos de la protagonista y el humor con que lo sobrelleva al menos en la gran pantalla, quizás en la vida real no de tanta risa.

Cinta alegre luego de un día aletargante de trabajo, para verla comiendo aceitunas, en pantys y en tu cama.

Calificación: 10/10

Drive (2011)

2012-01-24T16:44:00.000-08:00

Ryan Gosling lleva tiempo haciendo ruido, creo que ha logrado posicionarse mucho mejor que Ashton Kutcher, actor de su generación, quien parece que pierde mucho tiempo con las mujeres y no precisamente con la que hasta hace poco era su esposa. En fin… ese no es el tema, Ryan, quien ha realizado últimamente roles en cintas independientes (Blue Valentine, All the good things) lleva el peso en esta cinta del 2011.

La estética del film de Nicolas Winding Refn es modernamente límpida, no se si tiene que ver que es un tipo joven, pero los colores, decorados y el ambiente de la trama es mucho más que impecable, desconcierta ese modo ordenado de mostrar desorden, ese modo ordenado de mostrar caos y violencia.

¿Cuánto silencio hay en la rabia? No lo sé, pero el personaje de Gosling si, un tipo sereno que conduce como extra en películas y ayudando a huir a gente con muchos vicios.

El hombre es un misterio, todos sabemos que Hitler amaba a su perra y según pintaba florecitas, si eres un tipo individualista, que vives tu vida a tu aire, sin responsabilidades: ¿Quién te dice que tus perspectivas no pueden cambiar de la noche a la mañana, quien te dice que “el amor” (si, siempre es el amor… ) te haga complicarte la vida? Pero no “el amor” romántico, fútil y a veces egoísta, el amor por el otro, las ganas de salvarle la vida al otro que amas, aunque no la estés salvando “para ti”.

Dicen que amar es desear el bienestar ajeno, en Drive comprender eso (y aplicarlo) le cuesta la tranquilidad a un tipo violento que no sabia que estaba tan lleno de mala leche.

Actuaciones destacas en una cinta que recuerda (lejanamente) al Taxi Driver de Robert De Niro.

Calificación: 10/10

One Day (2011)

2012-01-13T13:30:00.000-08:00

Cuando vi One Day no sabia que su directora era la misma de “An Education” (2009), si lo hubiese sabido seguro la veo con mucha más emoción. No lo sabia, pero mientras avanzaba la trama me di cuenta que los decorados, las escenas, la atmósfera de la película es la misma del otro film también dirigido por Lone Scherfig.

Esta película británica conserva el mismo espíritu del film anterior de esta directora, aunque la trama basada en la novela homónima de David Nichols es absolutamente diferente. Hacer películas “de amor” es duro, porque se corre el riesgo de ser “mas de lo mismo”, pero en One Day, no importa lo que se cuenta. importa el como y el montaje de ese como, el montaje de este romance. Lo que mas destaca de la cinta es la elegancia de las escenas, las buenas actuaciones y la hermosa fotografía llena de calidez.

Las películas son “lo que pasa”, “lo que se cuenta”, pero quizás son en igual grado “como se cuenta lo que se cuenta”, puedes sentir placer por identifiación, pero también por haber presenciado algo bello. Con One Day, la trama melodramatica en exceso (perdón) me pareció ademas de predecible, bastante plana, no original ni revolucionaria, sin embargo el montaje es sobresaliente.

Seguramente la experiencia de lectura de One Day, llena de detalles propios de la novela, funcione mucho mejor que en la película, ya que en la cinta –por cuestiones de tiempo- se pretende resumir una historia que por escrito resultará –seguramente, quiero leerla- bastante mas densa y entretenida.

Lone Scherfig dijo de Anne Hathaway y su personaje: “No se puede conseguir a nadie que sea la fotocopia exacta de Emma Morley, pero lo que sí puedes tener es la calidez y la personalidad de Anne, y dejar que impregnen el carácter de la película. Me gusta mucho la interpretación que Anne hace. Tiene algo de Liz Taylor o Judy Garland: no es un icono por su belleza o su condición de diosa, sino por su calidez, profundidad y humanidad. No es como las rubias de Hitchcock, ella es real”

True: Anne Hathaway es hermosa por más que intente no parecerlo, Jim Sturgess is cute a lot, vale la pena verlo.

Calificación: 7/10

La piel que habito (2011), más Almodóvar que Almodóvar

2012-01-13T07:21:00.001-08:00

Todos los cineastas no son artistas, creo que los artistas más que emular crean y parte de esa creación obedece a un carácter propio, a unos temas y obsesiones individuales en los que ahondan para mostrarlos y al mismo tiempo mostrárselos a sí mismos.

Siempre he creído que Pedro Almodóvar es un artista, porque tiene personalidad y carácter, crea un mundo en sus films: personajes, decoración, situaciones. Con el director español sucede algo parecido que con Woody Allen: quien actúa en un film de Almodóvar, camina, habla y gesticula de un modo peculiar que tiene el sello del director. El modifica el comportamiento de los actores, que asumen –en sus películas- formas de hablar, de caminar y hasta de sentarse “muy Almodóvar”.

La Piel que habito no es la excepción, en ella sin efectos especiales, sin sangre, sin gritos y con una mesura que logra mayor impacto, la cinta nos cuenta una historia, que aunque es basada en la novela (Tarántula de Thierry Jonquet), parece haber sido escrita por el propio Almodóvar. No voy a contar la trama, no voy a decir el cuándo, el dónde, el cómo y el por qué, solo diré que la trama que cuenta con dos actores de vieja data en su filmografía: Antonio Banderas y Marisa Paredes, desarrolla una temática que tiene mucho que ver con la identidad.

¿Quién eres: quien te dicen que eres, quien ves en el espejo o quien puedes mirar solo tú? ¿Existe algún lugar donde la esencia de uno mismo se guarda más allá del mundo exterior? ¿Qué te hace ser quién eres? Son algunas preguntas que surgen luego de verla.

Dijo Almodóvar en una entrevista al Pais.com: “Reconozco que las historias que ahora cuento son más graves que las de hace 30 años. Es lo que me sale, pero hay cosas que no han cambiado, quiero ser entendido, que mis películas se entiendan, a pesar de sus complejidades, y quiero ser ante todo y sobre todo entretenido” creo que lo logra muy bien en esta cinta: inteligente, densa, profunda y absolutamente entretenida.

Destaca la banda sonora que te ayuda a “ponerte en situación”, y la excelente actuación de Elena Anaya.

Calificación: 10/10

El tiempo es oro: In time (2011)

2012-01-10T07:43:00.000-08:00

En la vida lo único que existe es el tiempo, es lo único que tenemos, aunque no lo creas y lo tires por “seguridades” (matrimonio -si te aburre-, trabajo -si te gasta-, responsabilidades -si te pesan-), el tiempo es lo único real. No digo: las 5:00 pm o las 8:00 am, todos sabemos que hoy no es martes o domingo o lunes, el tiempo solo pasa... sin etiquetas, el resto son convenios… yo digo el tiempo y su transcurso, como usas la vida que Dios –o quien sea- te dió.

En “In Time” es así, la moneda de cambio del futuro es el tiempo, media hora es una estadía en un hotel, un café cuesta diez minutos, quien más tiene tiempo, es más rico, porque en el futuro tu reloj biológico se detiene a los 25, y aunque eres joven por siempre, luego tienes un año para sobrevivir. Si no haces nada por “robar” tiempo o por conseguirlo sea como sea te detienes, es decir te apagas y te mueres.

Al estilo de Matrix o Destino Oculto(2011) en In Time, la ciencia ficción se utiliza para a través de una metáfora mostrar temas que son fundamentales en las reflexiones de la vida humana. Desde Solaris de Andrei Tarkovski, este género se presta mucho para contar de forma encubierta, grandes temas que quizás serian muy pesados de mostrarlos frontalmente. Temas que han tenido presencia en el cine desde años atrás (Blade Runner -1982),como esto de que el tiempo es oro y no somos –ninguno- ni aun los millonarios eternos o inmortales.

Andrew Niccol (El señor de la guerra 2005, Simone 2002, Gattaca 1997) dirige y escribe este film protagonizado por Justin Timberland, quien ha venido participando en el cine desde hace algunos años y Amanda Seyfried (Chloe), donde muchas veces se cae en lugares comunes y escenas muertas (tibias, aburridas) que no tomaremos en cuenta ya que el tema principal, la idea que convoca sustrae toda la atención, al menos la mía.

La mortalidad y el breve espacio de la vida humana es el tema que subyace en la película. En la vida es así: cuando eres pobre, vendes tu tiempo a otros (trabajando, por ejemplo), el mundo te da dinero si le entregas a porciones tu existencia. Al final, tanto en el film como en la realidad, el tiempo es la moneda de cambio para movilizarte en un mundo que siempre, para robarle la expresión a Javier Marías, siempre va en ascenso.

Me gustó la pareja (aunque súper cliché y obvia) de Bonnie & Clyde futurista que hacen los dos actores. Justin te prefiero bailando, pero bien.

Calificación: 10/10

Favoritas 2011 (y 2)

2012-01-01T11:09:00.000-08:00

Saluda al diablo de mi parte – Colombia (2011): En el film se utiliza el entretenimiento puro y duro del cine de acción, para tratar de hacernos comprender. Usa la adrenalina, el pulso agitado de cada escena para intentar mostrar, dar posibles indicios dentro de una realidad caótica, incongruente y absurda.Cada país en América Latina tiene su talón de Aquiles, Colombia tiene los suyos, el secuestro es uno de ellos. Incluso García Márquez (Noticia de un secuestro, 1996) ha hablado de un flagelo que conocen muy bien en aquellas tierras, porque lo han padecido de las peores formas posibles.En este film, los hermanos Orozco (guión de Carlos Esteban y dirección de Juan Felipe), utilizan a manos llenas todas las armas de las que disponen para lograr una cinta técnicamente perfecta, con un gran nivel en efectos especiales y balas. Sin embargo, lo que en películas de ese estilo falla o simplemente no lleva intención alguna (el guión, los personajes), en esta se fortalece. La cinta protagonizada por Edgar Ramírez, indirectamente, plantea que no hace falta matar del aburrimiento, ni caer en lugares comunes, para hacer lo que el arte es capaz: señalarnos un conflicto a través de una historia. El film funciona como una película de acción, con efectos especiales, disparos y sensacionalismo, pero como ya dije, no se encuentra despojada de fondo. La forma ayudara a plantearnos inquietudes, a digerir mejor lo que en el fondo se nos quiere contar, pero tantas balas no nos dejan sordos, al contrario, como en “Cuatro días de Septiembre” (Brasil, 1997), el mensaje es claro: si te manchas las manos de sangre, no procures convencerte de que limpiándotelas con las culpas ajenas seguirás estando impoluto.

El rumor de las piedras - Venezuela (2011) : El film de Alejandro Bellame Palacios (director de la también excelente película “El tinte de la fama) cumple, mas allá de la anécdota, de la historia, que precisamente no fui a buscar, a nadie le gusta recordar lo feo que ha visto o vivido y yo también soy de Vargas, también perdí mi casa y mis cosas hace algunos años atrás, tal como el personaje de Delia, pero corrí con mejor suerte que ella. La historia no es novedosa en esta Venezuela que nada parece cambiar con el paso de los años, sobre todo para alguna gente, mas jodida que otra (si me perdonan la expresión), así que en esta cinta no es lo que sucede lo que es novedad, es el como se cuenta lo que sucede y en eso su director parece experto. No creo que una película sea buena o mala porque hable de tal o cual tema, creo que una película “cumple” si logra influenciarte, hacerte pensar en ella, mientras la ves y luego, sobre todo mucho después de haberla visto. En El rumor, uno se asoma a la vida de la gente sin mas (o eso parece), te muestran de tal modo la existencia de los otros que te desconectas de la tuya, estas en el barrio, ves la muerte, la miseria, los encuadres no son pretenciosos ni exagerados, todo parece que fuera (en la realidad) tal cual se te muestra. Gran trabajo del director, grandes actuaciones, diálogos verosímiles, y la promesa de una actriz que ojalá podamos seguir conociendo.

Stromboli – Italia , Roberto Rossellini (1950): Casi del mismo modo que su personaje en Stromboli, Ingrid Bergman fue “apedreada” moralmente, por la sociedad Estadounidense cuando decidió divorciarse para establecer en una relación con Roberto Rossellini, el director italiano de este film de 1950. Bergman, casada con Peter Lindstrom, luego de ver una cinta de Rossellini se puso a las órdenes de éste último para filmar cualquier cosa… el tiempo diría que hicieron algo más que filmar juntos. En Stromboli, Karin, una refugiada lituana, para escapar de un campo de concentración, decide casarse con un pescador italiano con el que casi no puede comunicarse, no tiene nada en común y no le ofrece otra cosa que una vida en Stromboli, una isla decadente y miserable. Ella es diferente a las demás mujeres del lugar, las cuales lo perciben casi de inmediato, esto origina la intolerancia, segregación y “apedreo” moral sostenido, muy parecido al que sufrió Bergman tras el escandalo de su divorcio y posterior matrimonio con el director italiano, con quien rodaría otras películas mientras duro su relación. Circunscrita en el neorrealismo italiano, los detalles de la vida cotidiana en la isla: la pesca, las rutinas de las mujeres y sus maridos, la realidad dura y agreste del entorno, posibilitan que la cinta toque por momentos el documental, pues la duración de las escenas permiten percibir de forma mucho más verosímil lo que se nos cuenta.

Destino Oculto, The Adjustment Bureau – USA (2011):En Destino Oculto, Matt Damon intenta que su suerte no la decidan otros, intenta escapar de “los señores del destino” quienes controlan “el plan” de “el presidente” una forma de dios que decide cómo, cuándo y dónde en las vidas humanas. El film, basado en un cuento de ciencia ficción de Philip K. Dick, es una película de George Nolfi, también guionista de las cintas de Bourne. El “plan” para el joven congresista David Norris, no debe incluir a Elise (Emily Blunt), porque no esta “en su destino” estar juntos. De un modo algo arbitrario los “señores del destino” (asi los he llamado) intentan convencer y atemorizar a David para que renuncie a sus expectativas amorosas con Elise, nadie le dice porque, simplemente de un modo arbitrario se supone que no debe ser así. La película de Nolfi, un poco al estilo Matrix (salvando las grandes distancias con la obra maestra de los hermanos Wachowski) te muestra que el mundo es más o menos un lugar “controlado” por “alguien”, un ente mayor, que te pone “tu destino” simplemente para que lo sigas, pero los humanos pueden hacerlo diferente si siguen su “libre albedrío”, el cual, según se nos muestra, muchos –la mayoría- olvidan que tienen.Quizás el guión no consigue ser muy fuerte en un principio, le falte elementos de diálogo y escenas que te arrebaten por completo la atención, sin embargo la trama creo que ayuda mucho para que te quedes “pegado” pensando en un tema que, quizás sin tanta ciencia ficción de por medio sea muy “real”. ¿Eliges tu vida o alguien la eligió por ti? ¿Haces lo que quieres o vives como alguien te dijo? ¿De verdad crees que no puedes elegir, que existen manuales para todo? ¿Crees que hay “correcto” e “incorrecto”? ¿Quién establece eso: tú o el resto, tú o la sociedad a la que perteneces?Me gustó de Destino oculto, que se estrenará muy pronto en las salas de cine del país, la reflexión y la idea latente de que (digan lo que digan) siempre puedes elegir como vivir, la última palabra la tienes tú, la cuestión sería si quieres o no usar esa prerrogativa.

Reverón – Venezuela (2011): Envidie durante toda la película a ese Reverón que recrea Rísquez, pintor de Macuto, que vive para hacer lo que le gusta, esa imagen del hombre libre que no le da importancia a premios o ataduras sociales, ese que juega consigo mismo y que pierde la conciencia de la realidad, porque en el fondo lo que para el “es real” solo se relaciona con lo que vive en su cabeza. El director toma partido desde la primera escena, y desnuda el universo del “loco” de macuto sin miramientos ni pudor, mas con la benevolencia de quien comprende o quiere comprender. El Reverón que nos muestra Ríquez: sus manías, su forma de relacionarse con la pintura, su entorno, el silencio y su aislamiento esta justificado perfectamente en la cinta, le crees, te parece real, auténtico. La película tiene pocos diálogos, aunque si los necesarios, los propicios como para mostrar el pensamiento y el relato de la vida de este artista, al menos como el director la percibe, pero lo hace tan bien, que te convence, cuando lo ves no dudas, asientes. La puesta en escena es prácticamente impecable, los decorados, los paisajes y las actuaciones no tienen desperdicio (unos más que otros), quien encarna a Reverón, Luigi Sciamanna, sobresale con un tono y una forma de actuar que “nos vende” por completo al personaje, verosímil totalmente. Sin embargo, lo que más me llama la atención, lo que me conmovió, lo que sin duda me va a dejar toda la noche y mañana pensando, es precisamente el personaje mismo, este de la cinta, que no se si será Reverón “realmente”. Un hombre libre capaz de vivir bajo su propia locura, con sus fantasmas, su pintura, sus manías y sus pasiones. Un hombre libre que estableció su propio orden, un lucido, un valiente. Te conmueve, te entusiasma, te enamora. Si estaba loco o no, es lo de menos, a fin de cuentas: ¿Qué es la sanidad mental…? ¿matarse ocho horas por día en algo que no te importa? Para eso si hay que estar loco…. pero ya se sabe que “en el sistema” hay que fingir cierta cordura. Aquí pensando… a fin de cuentas para eso es el cine.

Último cuerpo – Venezuela (2011) Carlos Daniel Malavé me cae bien. Debe ser un tipo divertido, un tipo con cojones, un tipo decididamente valiente. Uno se lo imagina cuando ve sus películas, no porque sean la gran obra de arte que esperamos descubrir en el cine nacional, o los films que iluminaran nuestra conciencia. Aunque quizás lo logren… para algunos espectadores o para el mismo… no lo sé. En mi caso lo pienso, porque siempre que veo una de sus cintas me digo: este es un tipo con agallas. Este es un tipo con garra, con ganas, con voluntad. Un tipo que dirige porque lo necesita y lo hace contra viento y marea. Último cuerpo, su más reciente film protagonizado por Wiliam Goite, Jean Paul Leroux -quien trabajó en sus otras películas-, Miguel Ferrari y Guillermo García, tiene un elemento en común con sus producciones anteriores: entretiene. Sin embargo puede percibirse un mayor trabajo y limpieza en los elementos técnicos y de puesta en escena. Basada en la vida de un periodista de sucesos de Maracaibo, “Último Cuerpo” juega a la novela negra ganando en la mayoría de veces la partida, entretiene, divierte, te hace pasar el rato. A mi me gustan los valientes. Los que se atreven, los lucidos que apuestan por hacer sencillamente lo que les da la gana. Te guste o no Carlos Daniel Malavé siento que el es uno de ellos. Por lo demás, bien por Wiliam Goite, quien me hizo pensar que las oportunidades tarde o temprano llegan.

Sin Limites – USA (2011) ¿A quien no le gustaría ser más inteligente? A mi si, creo que siempre he soñado con algo como lo que le ocurre al personaje de Bradley Cooper en Sin limites (2011), un escritor que no puede escribir, que se muere de hambre y que esta a punto de fracasar en lo que ha sido la meta de su vida, gracias al famoso “bloqueo” conocido por muchos que han probado las artes literarias. Para Eddie, las cosas serán diferentes cuando su ex cuñado le proporcione una píldora que lo ayudara a “ver” todo con mucha mayor nitidez.Escribir será poco, en comparación con lo que pretende lograr Eddie en esta cinta del mismo director de “El Ilusionista” Neil Burger. Una película confusa sobre el poder de la ambición y las “habilidades”, así sea alteradas, cuando van juntas.Robert De Niro hace un papel secundario donde se desperdicia, sin embargo… De Niro es De Niro… ¿Cómo seria poder acceder al 100 % de tu capacidad mental con algo de ayuda? Definitivamente si me ofrecen esa pastilla la tomo. ¿Lo mejor? Las ideas que subyacen de la trama, esas si les tocará descubrirlas a cada uno.

Chloe – USA (2009) No se si muchos son capaces de admitir que han sentido atracción por gente del mismo sexo. Particularmente, no tengo nada que admitir: nunca me han gustado las mujeres, pero quizás fue solo porque no conocí a Chloe. Antier noche cansada, vi este remake de Nathalie (2003) la cinta de Anne Fontaine y redescubrí, que a diferencia del cine francés, las películas hechas por la industria cinematográfica norteamericana, tienen una vitalidad, un color y unos “adornos” que deslumbran y te ayudan a “ponerte en situación” mucho más rápido. Claude Chabrol, por ejemplo, filmó muy bien su “Mujer Infiel”, pero la versión de Adriann Lyne “Infidelidad” cobra otras dimensiones, cuando se regodea en los detalles, cuando pone especial interés en destacar la emotividad lúdica de sus personajes y sus bajas pasiones. Liam Neeson hace uno de los papeles más sosos de su carrera como el esposo “embaucado”, y Amanda Seyfried seduce a la cámara, dando su mejor actuación, en esta película sobre el deseo en su estado más puro.

Lost in Translation – USA (2003) ¿Qué tienen en común una muchacha y un hombre de casi cincuenta? En la cinta escrita y dirigida por Sofia Coppola todo. Cuando vi “Lost in translation” yo también estaba un poco (en realidad bastante) perdida, seguro lo sigo estando, quizás esa sea una condición que nunca se abandona, no del todo. Bob Harris (Bill Murray) y Charlotte (Scarlett Johansson) se encuentran en Tokio por motivos diversos: el es un actor de éxito que viaja para filmar el comercial de un licor, y ella la recién estrenada esposa de un fotógrafo. Ambos no saben bien de que va la vida (el lo ha olvidado, ella no lo ha descubierto) y dentro de la extrañeza de esa ciudad “extraña”, descubren un hilo invisible que los comunica entre sí y de ese modo con el mundo. La soledad y el sin sentido dentro de lo que se supone es nuestra vida “real”, la que hemos ¿elegido?, con toda esa gente “familiar” que -a veces- nos circunda sin conocernos en realidad, es lo que expone Sofia Coppola en esta su segunda película. Catalogar una cinta de obra de arte siempre es un lugar común, pero con esta película de Sofía Coppola caeré en los lugares comunes. La Frase: Cuánto más sabes quien eres y lo que quieres, menos te afectan las cosas.

Moneyball: Rompiendo las reglas – USA (2011) Es increíble el parecido entre Robert Redford y Brad Pitt sometimes, no en la forma de actuar, en el porte, esa cosa física que nos recuerda que quizás es verdad que todo el mundo tiene un doble. En The Natural (1984) Redford también juega béisbol como Brad Pitt en Moneyball (2011) y al ver al segundo no pude evitar recordar al primero, pero solo en lo físico: la sonrisa, los modos, no sé, estoy segura de que ellos lo saben, tienen mucho en común, como lo demostraron en ese duelo que hicieron en la película Spy Game (2001). Moneyball es sobre béisbol, pero no de un modo muy común y corriente, es una cinta casi para verdaderos eruditos en la materia (o gente no tan neófita como yo), puedo decir que no entendí nada, pero absolutamente nada de lo que hablaron. Sin embargo me gustó mucho, conecte con la esencia de la historia, que va mas allá del béisbol, pues al final el juego más importante es este de todos los días (si, suena cursi) la vida. Bennett Miller , el director de Capote (2005) nos trae un film un poco lento, un poco enredado y disperso, pero que termina funcionando, porque lo mejor de la cinta es precisamente sus silencios, sus reposos, sus dejarte ver de un modo nada obvio, lo que representa arriesgarse por lo que en realidad te gusta.

Canción mansa para un pueblo bravo – Venezuela (1976): Esa mirada de extrañamiento que tiene Gilberto (Orlando Urdaneta), es la que a estas alturas hemos perdido casi todos en las grandes ciudades, en Caracas, por ejemplo, que ya en 1976 eran una “calle luna, calle sol” como en la canción de Héctor Lavoe.“Hay veces que el querer trabajar no basta”, le dice su amigo Freddy (Tito Aponte) a Gilberto, quien se gana la vida robando, prostituyéndose y rebuscándose: “Mira carajito la plata es una cosa muy buena, aunque te cueste el culo” le advierte, lo que veremos a continuación es el “convencimiento” que le prodiga la ciudad a Gilberto de esa aseveración. El film dirigido por Giancarlo Carrer muestra a modo de comedia (es muy divertida), las vicisitudes de Gilberto, y un buen panorama de la Ciudad de Caracas (una visión de la ciudad de Caracas) en los setenta, muy convincente, ¿Por qué? Porque muestra con humor lo que es una cosa muy seria: la lucha por la sobrevivencia para las personas de clases menos afortunadas. No es un panfleto, no es un fastidio lacrimógeno que pretende “aleccionarnos”, es una película con un guión divertido por inteligente donde el elemento sorpresa siempre esta presente.Da la impresión de ser una película tesis: Canción Mansa Para un Pueblo Bravo, es una cinta bien filmada, sin balas ni groserías, con actuaciones donde destaca un pasmado y tímido Orlando Urdaneta, jovencísimo en su rol de Gilberto.

Black Swan – USA (2010): Darren Aronofsky (El Luchador, Réquiem por un sueño, La fuente) dirige esta película sobre arte y obsesiones humanas, la búsqueda de la perfección y la fragilidad del alma, los sentimientos y estados mentales que padeces cuando el deseo de obtener algo se apodera de ti. Si no te “mojas” no llegas lejos, si no te involucras no gozas, no obtienes nada mas que un acercamiento superficial, para algunos eso esta bien, porque si te entregas te puedes quemar. Sin embargo el placer de ese incendio no tiene comparación. Esta cinta no es sobre el ballet, el ballet es una excusa. En el arte –el gran tema del film- solo la pasión o la entrega absoluta son el camino para lograr la “perfección”, aunque no olvidemos que la pasión siempre quema.

El origen del planeta de los simios – USA (2011) Los simios de Rise of the Planet of the Apes (2011) no asesinan, ellos solo se defienden, su violencia no es abusiva, premeditada, formulada por la idiotez o el odio sin sentido. Creo que adrede, en la película de Rupert Wyatt, los simios son “humanos” en contraposición a los hombres que nunca han sido civilizados como los animales, tal como escribió Walt Whitman. Con una reflexión (siempre inherente a estas películas) sobre el trato humano hacia los animales, así como a sus pares y al planeta tierra, la película transcurre ante los ojos del espectador dejando una sensación de indignación que te ayuda a verlo sin pestañear. Este es la historia de lo que aconteció antes de que los humanos dejaran de poblar la tierra, tal como sucede en la cinta original.

Favoritas 2011

2012-01-01T11:07:00.000-08:00

Fin de año, recuento seguro, vi mucho más de lo que puedo enumerar, nunca escribo de todo lo que veo, escribo solo de algunas… porque quizás me gusta más ver que escribir. Además, las películas –la mayoría- escriben su reseña en la mente de tal modo que no hace falta decir nada más. Aquí algunas (solo algunas, es difícil hacer recuento) de mis favoritas de las que vi (o revisité) este año, las cuales no son necesariamente actuales, pero si buenas, excelentes películas. Enjoy!

Cenizas del Paraíso- Argentina (1997) En “Cenizas del Paraíso” el crimen de Ana es el primer eslabón de la cadena de hechos que sustenta una trama compleja. El cine Argentino que se caracteriza por “hacerte pensar”, recurre a muchas vueltas en la trama para desarrollar este triller, que utiliza la vieja táctica: un crimen y tres sospechosos. ¿Quién es el asesino? Dirigida por Marcelo Piñeyro (El método, Plata Quemada, Caballos Salvajes y Kamchatka) Cenizas del Paraíso posee escenas hermosas, mas allá de lo entretenida de la trama. Gran acierto representa la música incidental y el tratamiento de los personajes, especialmente el modo en que se cuenta la relación de los hermanos con el padre (Hector Alterio) la cual se muestra en su plenitud en una escena genial de los cuatro bailando una danza griega, la mejor escena del film, de una gran belleza.

How do you know – USA (2010) Casi no llego a la función de las 6:30 pm, no tenía ganas de ver de nuevo películas rosadas y tontas sobre enamoramientos previsibles. El film protagonizado por Reese Witherspoon, Owen Wilson, Paul Rudd y Jack Nicholson no me llamaba demasiado la atención. Comedias románticas… ya saben: lugares comunes y romance: un coctel no muy satisfactorio para un viernes por la noche. Sin embargo llegue, corrí el riesgo solo porque me gusta Reese, una de esas actrices de las que estoy enamorada, sobre todo después de verla en Walk the Line (2005). Esta cinta dirigida y escrita por James L. Brooks (Mejor imposible, 1997) tiene diálogos inteligentes, personajes novedosos, comenzando por Lisa el que encarna Witherspoon. Con una perspectiva que va mucho mas lejos de la búsqueda del amor romántico, algunas bromas obvias, y un humor que entretiene transcurren las casi dos horas de este film. Nada mal, pensé cuando terminó la cinta, después de todo vale la pena a veces correr riesgos.

Amor, Dolor y viceversa – México (2009) Un tema manido como el despecho y los celos, la obsesión que deviene en violencia por un “amor” no correspondido puede pasar desapercibido, pues desde Atracción Fatal –y mucho antes- ha sido cinematográficamente expuesto. Nada nuevo bajo el sol, podríamos decir, sin embargo la estructura laberíntica en que se cuenta la historia nos permite adentrarnos en un relato que solo se comprende del todo a medida que va transcurriendo. Este film protagonizado por Bárbara Morí, que desde que dejo la televisión ha demostrado que actúa tan bien como se ve (es excesivamente bella) y Leonardo Sbaraglia, a quien llevo unos meses mirando por casualidad (Sin Retorno, El corredor nocturno, Cenizas del Paraíso) cobra otro matiz por el simple hecho de mover los elementos del “como” cuentan lo que nos cuentan. Ese “como” es lo que hace la diferencia en una película intensa, donde no todo es lo que parece. A la película de Alfonso Pineda Ulloa solo tengo algo que cuestionarle: el titulo, merecía un nombre un poco más original. No le hace justicia.

Cashback – Inglaterra (2006) Ben no puede dormir, en su mundo hay un narrador en off, que es el mismo, describiendo y observando todo lo que le rodea como si fuera ajeno. ¿no te pasa que ves vivir a los demás y a ti mismo como si estuvieses fuera del marco, fuera de la foto? A mi si, a veces, quizás por eso este film escrito y dirigido por Sean Ellis, es uno de mis favoritos, a pesar de las que llamo “salidas fáciles” de su guión. Cashback es una película estupenda, sin embargo, a mi modo de ver, el film sufre de los mismos males que My Blueberry Nights (2007), salidas facilistas para situaciones complejas, salidas idiotas poco apegadas a “la realidad”. Claro… ¿Qué es la realidad?, es solo un film, y el director puede crear “su realidad” como le de la gana. Lo cual no significa que el espectador no tiene derecho a “revelarse”, yo me revelo y discuto de la manera siguiente. Todo el film parece la excusa adolescente de como “la perdida” del amor romántico es capaz de anularte la vida, y como la recuperación del mismo produce un efecto benéfico instantáneo en la vida de la gente. No niego lo primero ni afirmo lo segundo, sin embargo, conozco muchos que se sienten alienados aun con parejas y otros que no sienten tristeza o melancolía a pesar de andar solos. Mas allá de la estética bien lograda y solida, los efectos armoniosos, los buenos diálogos y mejores actuaciones, esta película te deja con un sabor extraño, algo así como un sentimiento de culpa, se plantea moderna, se plantea la visión independiente de “una relación”, pero como en “La Bella Durmiente del Bosque ” solo te despiertas si el príncipe te besa en la boca. Y Sean, tu que eres tan guapo debes saberlo… deberias… es mucho mas fácil levantarse con tus propios medios, que recibir un beso oportuno de amor verdadero.

La garganta de Linda Lovelace, Deep Throat – USA (1972): Garganta Profunda, la hayas visto o no, seguro que has oído hablar de ella. El impacto de aquel film se ha multiplicado con el paso de los años, quizás porque “el porno” como tal no forma parte del “cine”, es más bien una industria paralela, al margen, underground, oculta, aunque tiene millones de adeptos. El film con el que se hizo famosa Linda Lovelace (la fama no le dio “una carrera” como tal, solo fama), aunque suene a cliché decirlo, marco un antes y un después en la historia del cine porno. Dirigida por Gerard Damiano, la película cuenta “la historia” de una mujer que tiene el clítoris en la garganta.

The Beaver – USA (2011) Jodie Foster dirige a Mel Gibson en esta película (la tercera de su carrera) sobre la soledad. Suena simple, suena tonto, suena a lugar común, pero algunos escriben para no estar tan solos, otros hacen películas, y otros se inventan amigos imaginarios, que los ayuden a hacer lo que tienen que hacer. Walter Black esta deprimido severamente, lo único que hace es dormir y “existir”, todo quien ha sido es solo un recuerdo, una foto vieja. Su esposa (Jodie Foster) y sus dos hijos tienen que asistir a su desmoronamiento, mientras luchan con sus circunstancias cotidianas. Foster dijo sobre su papel como directora en una entrevista para El País, refiriéndose a sus películas: “Todas ellas son películas independientes y personales con trazos comunes que hablan de la soledad y del miedo a estar solos por mucho que te guste disfrutar de esa soledad. Que hablan de la familia y de nuestro miedo a parecernos a nuestros padres. Que hablan de una crisis espiritual como la que todos vivimos cada cinco años, que hablan de depresión aunque sea un tema que la mayor parte de la gente prefiere evitar”.
Esta película es el mejor de sus ejercicios cinematográficos.

Cine y Jazz, imprescindibles: For Love or Country: The Arturo Sandoval Story (2000)

2011-12-24T17:24:00.000-08:00

En For Love or Country, se cuenta que Arturo Sandoval conoció a quien terminaría siendo la mujer de su vida en una cola de autobuses. Las colas interminables del transporte público en La Habana le permitieron galantear con Marianela, interpretada en el film por Mia Maestro. A mi me han pasado cosas así, es increíble lo que hacen los hombres por ligar, claro, ninguno ha sido Arturo Sandoval, pero he logrado adelantarme en las colas y llegar a mi destino gracias a la amabilidad o interés (a veces pesado) de algunos.

El músico cubano, quien compuso su tema Marianela, casi al minuto siguiente (exagero obvio) de conocer a la que seria su mujer, es representado en esta HBO movie por Andy García, quien contó en una entrevista (Leonardo Padrón/Los imposibles 4) que para hacer la película trabajó con Arturo Sandoval en el guión una semana entera desde la mañana hasta la tarde, y que el músico le contó su vida detalladamente.

El actor cubano terminó usando en la película, algo que Sandoval le dijo: “Take a piece of pencil and write this now”: “Si ves la película te vas a dar cuenta que hay un momento donde me esta entrevistando el Embajador de Bélgica, cuando yo pido asilo, y yo le digo a él: “Please sir, take a piece of pencil and write this now”, contó García a Padrón, es decir toma un pedazo de lápiz y escríbelo, en lugar de toma un trozo de papel, debido al inglés irregular del gran músico, amigo personal de Dizzy Gillespie. Esto le pareció gracioso a Andy García y decidió usarlo como parte de su interpretación en el film: “ Son cositas así que uno le roba a los personajes, anécdotas y cosas personales” dijo.

Este film, cuenta la historia de Arturo Sandoval desde un punto de vista muy personal, su matrimonio, su forma de relacionarse con la isla en que nació, su amistad con Gillespie y su cambio de rumbos luego de dejar su país natal. Sin embargo, mas allá de la vida del músico cubano, el film realizado para la televisión, es una historia de amor memorable y un relato sobre música y libertad o el deseo de esta última.

Conocí a Arturo Sandoval con un Mp3 pirata en una calle de Altamira (Caracas) hace muchos años, cuando ni sabia que era, como decía Gillespie, el segundo mejor trompetista del mundo (porque el primero era el), luego encontré esta película que se adorna con la belleza de las escenas interpretadas por una Mía Maestro que no tiene desperdicio y un Andy García actuando con tanta pasión como siempre.

Altamente recomendada si te gusta Sandoval y el jazz, altamente recomendada si quieres presenciar una historia de amor rara en un entorno que no necesariamente tendría que estar muy lleno de romanticismo.

Calificación: 10/10

Nota de Prensa Final de Sacven por el VIII Concurso Nacional de Cuentos

2011-12-24T16:30:00.000-08:00

John Manuel Silva resultó elegido ganador en el VIII Concurso Nacional de Cuentos de Sacven con su cuento “Afrodita, C. A.”.

De igual manera se consideró pertinente otorgar menciones especiales a los siguientes cuentos, los cuales son citados a continuación en estricto orden alfabético:

Crisálida, de Eloy Yagüe Jarque
Después del Incendio, de Carlos Colmenares Gil
Final de Play, de Eduardo Febres
La verdad de las gacelas, de Mario Morenza
Lennon entre nosotros, de Philadelplhio Pastrán Giussepie
Mi Padre el Veterano, de Miguel Antonio Hidalgo Prince
Nadie nos preparó para esto, de Raymond Nedeljkovic Febles
No le cuentes tus secretos a cualquiera, de Carmen Luisa Ugueto Liendo
Un nombre para mi salud, de Martha Patricia Durán Rodríguez

El jurado destacó la innegable calidad literaria presente en estos cuentos mencionados, y agregaron que los mismos fueron seleccionados entre un universo de textos que dan muestra de la calidad y garra que demuestra la actual producción narrativa venezolana.

Como premio para todas estas historias Sacven realizará una publicación con la compilación de las mismas.

Fuente: Sacven.

De Rómulo Gallegos, Doña Bárbara

2011-12-22T09:42:00.000-08:00

Siempre he querido ser Doña Bárbara, a veces hay que serlo, es justo darse a respetar y dejarse ver de cierto modo, para sobrevivir en un mundo, aún ahora, hecho por hombres y para hombres. Así que es lógico comportarse como uno de ellos para defenderse, yo no culpo al personaje de Gallegos, todos sabemos lo que le pasó, la historia de Doña Barbara es harta conocida por todos.

A María Félix le quedó el apodo, luego de representarla en el cine, quizás porque el personaje de Rómulo Gallegos se asemejaba mucho a su personalidad. Dicen que el escritor venezolano, quien escribió el guión de la película dirigida por Fernando de Fuentes, dijo que “La Doña” era exactamente igual a su Bárbara, esa que hace lo que le da la gana en los llanos venezolanos, jugando a un machismo a la inversa, siendo cruel y violenta. Lo de la Félix, no creo que haya sido tan extremista, más bien una gran personalidad no vinculada necesariamente con el carácter "dócil" adjudicado a lo femenino.

Rómulo Gallegos, un escritor que pervive en la memoria colectiva, no por su personalidad, o ideas políticas, más bien por su obra, sus novelas tan vigentes en la época actual como en el momento de su publicación, construyó un personaje polémico en su novela publicada en 1929, un personaje que representa el arquetipo de la mujer "dura" y "macha" por excelencia. Aunque mas bien diría, que se trata de una mujer desvinculada de los prejuicios que se nos imponen a las de nuestro género, obligándonos -a las que se dejan- a claudicar o a vivir una vida sesgada, de espera o sumisión. Ojo no me reconozco en la mala leche de la Doña, eso ya es cosa de ella y su amargura por su pasado teñido de lagrimas, si me permiten la expresión.

En "Doña Barbara", se recrea un episodio del llano venezolano (lo salvaje, lo bárbaro) en contraposición a la ilustración, lo civilizado de la ciudad. Siendo Doña Bárbara, lo salvaje, lo grotesco y Santos Luzardo el orden, lo civilizado. En otro cuento de Gallegos, dice el escritor venezolano, que lo ideal sería un matrimonio entre ambas cosas: la libertad del llano (lo originario) y el orden de la ciudad (la educación que moldee esa esencia), creo que en toda su narrativa el escritor expresó ideas similares. Tal como si dijera, no podemos negar lo que somos, pero podemos ser mejores si dominamos nuestro carácter y esencia.

Leer Doña Bárbara es asistir a un viaje a la Venezuela de Gallegos, pero también al imaginario de unos personajes que ya son iconos de la historia de la literatura universal. Rómulo Gallegos es el creador de la literatura más viva en la historia de nuestro país.

Buenísimo que la versionen en la tele, así se realicen versiones libres, literatura viva, de boca en boca. Muy Bien.

Calificación: 10/10

El Especialista (1994) malísima, Filmar algo muy malo es un arte

2011-12-19T14:55:00.000-08:00

En la película de Luís Llosa, el sexo es una coreografía tan forzada, que convence, a mi me da envida y me siento muy mala amante. Reviso mi pasado y me dan ganas de llorar, nadie puede ser tan fingidamente sexy como Sharon Stone en esta cinta, un film tan malo que termina siendo bueno, genial, como representación de los clichés cinematográficos del cine de acción: una tipa sexy, un musculoso redimido, un malo por hobby, un millonario vicioso y un hijo mucho más vicioso, pero torpe.

Sharon Stone y Sylvester Stallone protagonizan la cinta cuyo soundtrack esta a cargo de Gloria Estefan (Turn The Beat Around) y que cuenta una historia trivial y obvia: padres muertos, chica que se quiere vengar, amante asesino, millonario maléfico. No esperes nada sorprendente de la película de un muy sexy Stallone en los 90, espera obviedad, espera torpeza en el guión, espera clichés, espera actuaciones mediocres, evidentes, sobreactuadas, elementos que de algún modo se me antojan de arte, cool, entretenidos.

Uno siente que no puedes filmar una película tan mala en serio, que esto es a propósito, que el director esta jugando con el público. Quizás ayude a hacer la cinta tan entretenida, la belleza de los cuerpos de Stone y Stallone, o la dirección torpe de Luis Llosa, el primo de Mario Vargas Llosa quien no atina con sus películas, contando la muy aburrida Fiesta del Chivo (de lo mejorcito, las otras dan mucho más miedo: Anaconda, Fuego en el Amazonas).

El soundtrack quizás tenga mucho que ver con el escenario geográfico donde se mueve la película: Miami, el paraíso donde se habla español y se baila merengue, pero cuidado porque si lo haces mucho eres asesino o de algún cartel de la droga, como en este film.

¿Lo rescatable? El sexo, el sexo y el sexo, arte, coreografía, es tan falso que convence, es tan falso que da una sensación absurda de perfección generadora de envidia. Cuerpos perfectos en ¿perfecta? comunión, pero muy bien delineados, atractivos y todavía jóvenes. Encamarte con quien te gusta vale oro, pero si Stallone me invita tal cual se veía en esta cinta me uno a su club, sin pensarlo dos veces, incluso si me propone un trío con Sharon. Píllense la escena “de amor” (amo la música… es tan lugar común que es so hot).

Calificación: 4/10

Finalista del VIII Concurso Nacional de Cuentos Sacven 2011

2011-12-16T14:58:00.000-08:00

Se escribe por necesidad, por alegría, por gusto, pero me alegró la noticia.
Soy Finalista del VIII Concurso Nacional de Cuentos Sacven 2011 con mi cuento "No le cuentes tus secretos a cualquiera".
Buena nueva a fin de año.
Bien.

RESULTADOS DEL VIII CONCURSO NACIONAL DE CUENTOS SACVEN

La Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela se complace en presentar al ganador y 9 finalistas de esta octava edición del Concurso Nacional de Cuentos Sacven.

Ganador

John Manuel Silva Villasmil
Cuento: Afrodita, C.A

Finalistas

1.Miguel Antonio Hidalgo Prince, cuento “Mi Padre el Veterano”

2.Mario Morenza, cuento “La verdad de las gacelas”

3.Martha Patricia Durán Rodríguez, cuento “Un nombre para mi salud”

4.Raymond Nedeljkovic Febles, cuento “Nadie nos preparó para esto”

5.Eduardo Febres , cuento “Final de Play”

6.Eloy Yagüe Jarque, cuento “Crisálida”

7. Carmen Luisa Ugueto Liendo, cuento “No le cuentes tus secretos a cualquiera”.

8.Philadelplhio Pastrán Giussepie, cuento "Lenon entre nosotros"

9.Carlos Colmenares Gil, cuento "Después del Incendio"

Facundo

2011-12-15T20:28:00.000-08:00

Facundo Cabral creía en la vida, odiaba los noticieros, decía que el mal era minoría, que el bien era mucho mayor solo que no se notaba: “Una bomba hace más ruido que una caricia”.

Me duele creer que los que matan hayan podido ganar, que los que matan sean mayoría.

Facundo Cabral decía que había que hacerse cargo de uno mismo, que si cada quien se hiciera cargo de sí mismo, el mundo sería un lugar mejor. Que no había que estafarse “ocho horas por día”, que había que vivir en lo que amado, “haz lo que amas” dijo un millón de veces.

Me duele creer que el mal haya ganado una vez más la partida, que los imbéciles, que siempre son los malos, ganaran de nuevo.

Facundo Cabral decía que estar aquí (en la vida) supone todas las posibilidades, que había que seguir a “cabezas más altas que las de uno”: Bertrand Russell, Borges, la Madre Teresa. Decía que el cambio se da a partir del individuo, que no hay revolución sin compromiso individual: ” “Seguís acostándote con la mujer que más te gusta o te estafas…”, “Podes vivir sin atragantarte con cerveza”, preguntó a los televidentes en una entrevista con Jesús Quintero.

Facundo Cabral proponía la libertad desde el amor, desde el vivir sin miedo: “Lo que no es amor es miedo” dijo. Reivindicaba a la naturaleza, el sol, las flores, los pajaritos. Porque uno va por el mundo muchas veces sin ver, sin sentir, sin tocar, en automático: “Mirá con detenimiento una hormiga… es un milagro”

Hedonista, filósofo, pensador, pastor, cantor o simplemente “un hombre bueno que canta”, propulsaba la paz, la alegría, el amor, el compromiso con uno mismo, el dar sin esperar recibir, la soledad como la parcela del autonocimiento. La libertad como bastión de la vida, la entrega desde el amor de verdad, el vínculo legitimo.

Amigo de Borges, la madre Teresa, desde lo duro de su niñez aprendió a ser feliz, por el simple hecho de estar en el mundo, sobre todo desde que descubrió con el Sermón de la montaña que era “un príncipe”.

Me duele creer que el mal haya ganado, una historia conocida, un cliché de este mundo. Por eso intentaré no hacerlo.

Elijo confiar y creerle a Facundo, como lo he venido haciendo desde que “lo conocí”. Creo que ya he llorado suficiente, ya hemos llorado suficiente, no tengo más lágrimas: “el que murió simplemente se nos adelanto porque para allá vamos todos, además lo mejor de el… el amor…sigue en tu corazón” .

Cuesta, jode, la mala conciencia no nos deja pensar que lo que hoy vemos injusto, quizás es parte de un orden mayor, pero por Facundo, al menos haré el intento.

El cine que nos falta por ver: El Profesional de Luc Besson (1994)

2011-12-14T19:29:00.000-08:00

El amor surge en las circunstancias más extrañas, quizás porque es solo esto: complicidad, conectar, estar del mismo lado del charco, reconocerse en el otro. Que importa algo tan tonto como la edad, o las circunstancias. Algo que a muchos les puede parecer inmoral o enfermizo, quizás es algo tan sencillo como afecto, como querer estar al lado de otro, compartir la vida. Así se enamora Mathilda (Natalie Portman) de León (Jean Reno) en una de las mejores películas de Luc Besson, El Profesional.

Ya se sabe que a Luc Besson le gustan los asesinos con alma, los asesinos de asesinos, con reglas, disciplina, y una historia triste en el pasado. Gente linda y solitaria con hábitos particulares, como Nikita, o recientemente Zoe Saldana en Colombiana, a quien le gustaba bailar y amar luego de hacer el trabajo sucio.

En El profesional, León toma leche, y tiene sus reglas: no asesina ni a mujeres, ni a niños, hace ejercicios, ordena su ropa, le gustan los musicales y sobre todo ama a su planta. El, quien es callado en extremo, no hace vida social con persona alguna hasta que se topa con Mathilda, una Natalie Portman de al menos 11 años, que ya actuaba tan bien como en su último film, con el cual se ganó un Oscar.

Siempre me ha parecido El Profesional, una historia de amor, con una trama sinuosa, pero ¿Quién dijo que el amor no lo es la mayoría de las veces? Una adulta en el cuerpo de una niña es la Lolita que representa a la perfección Portman. Mathilda, ve morir a su descompuesta y enferma familia, incluyendo a su inocente hermano de 4 años, y pasa a sustituir todos sus afectos por el de un hombre, mucho mayor, que no sabe leer ni escribir y esta en la misma situación que ella: solo en el mundo.

Esta película peculiar, tiene alma, la cual se crea a partir de las particularidades de los personajes, cuya belleza se imprime en los detalles que los circundan, no son planos, ni modelos de, son León y Mathilda y llegas a conocerlos en sus dimensiones diversas y bien moldeadas por el director.

“Quiero amor o muerte, es todo” dice Mathilda a León, quizás de eso se trate todo: amor o muerte, yo elijo lo primero.

Como plus el Soundtrack: Sting cantando Shape of my heart. Emotiva desde el principio al fin.

Clasificación: 10/10

Discografía de Barbra Streisand (1) Simply Streisand (1967)

2011-12-08T14:03:00.000-08:00

Será porque venía en un autobús a esta hora de la noche, atrapada en la cola que me puse a pensar, mientras escuchaba “Lover man”, que a los buenos discos siempre hay que volver, a los discos que ya tienen un tiempo de haber sido grabados y popularizados, en música siempre es bueno mirar hacia atrás. Barbra Streisand lo sabía en 1967 cuando publica su álbum Simply Streisand con canciones que ya habían sido grabadas y popularizadas por otros.

En Simply Sreisand, Barbra canta temas clásicos que poseen un sinfín de versiones, además de la suya: My Funny Valentine, Lover Man (Oh, Where Can You Be?), More Than You Know, All The Things You Are. Lo grandioso de Barbra Streisand es Barbra Streisand, su voz, para ese momento juvenil, sus ganas y vigor propios de la edad y la pasión por una carrera que a penas estaba comenzando.

Calificación: 10/10

¿Qué estas leyendo? Adiós mundo Cruel

2011-12-08T12:54:00.000-08:00

Que César Pavese se mato por una actriz o que Margot Hemingway fue la quinta persona de su familia en suicidarse, detalles escabrosos y no tanto de la muerte de personajes célebres por sus vidas, a pesar de sus desenlaces por mano propia, puedes encontrar en este libro que no parece tener rigurosidad histórica (al menos no cargada de detalles), pero si mucho de prosa ligth como para entererarse de un fenómeno curioso: el de los que no quieren vivir y se deciden a salir de este mundo por sí mismos.

Quizás los suicidas son personas con adicción al control, ya que eso de matarse es la última decisión que puedes tomar donde nadie más influye, donde nadie más tiene que ver, es tu voluntad, con tus responsabilidades, como taparse la nariz bajo del agua y no salir a flote. Compré este libro por curiosidad, porque creo, tal como Javier Marías escribe en “Los enamoramientos”, que los suicidas: “contradicen el ansía de duración que nos domina a la gran mayoría, la que nos hace creer que aún hay tiempo” porque casi todos “no desean que se termine nada de lo que hay, de lo que tienen, por odioso o gravoso que sea”.

Con un subtitulo que reza: “Los suicidios más celebres de la historia”, Adiós mundo cruel, cuyo titulo induce más a la risa que a la gravedad del tema, lo disfrutaran mucho más aquellos adictos a los libros Guinnes, Almanaques Mundial y libros trivia, cargados de datos y de anécdotas, que sirven de punto de partida para realizar una investigación más extensa.

Calificación: 7/10

Last night (2010), menos mal que fue una sola noche

2011-12-06T15:28:00.000-08:00

La atmósfera de la película me genera una aversión inmediata, tal parece que se nos va a contar una historia densa, una historia seria, una historia de amor, “para pensar”. La atmósfera de este film del 2010: Last Night, la primera película de Massy Tadjedin, es el marco perfecto para el lugar común favorito sobre el tema favorito de los lugares comunes cinematográficos: el amor y el sexo. Me choca, debo decir que me molesta, el modo en que algunos “directores de arte” hacen del sexo un completo vomitivo, un conflicto, un problema, una circunstancia embarazosa y pesada.

Eva Mendes se aleja de los estereotipos una vez más demostrando lo buena actriz que es, y junto con Keira Knightley, Sam Worthington, Guillaume Canet protagoniza esta historia de amor, celos, y algunos lugares comunes, que transcurre, gracias a Dios, en una sola noche.

Un matrimonio se separa y las tentaciones hacen caer a su relación “perfecta” en un pozo que no sabemos si podrán superar. Lo que si sabemos es que la película, impecablemente filmada, nos sumerge en otro pozo, pero de confusión y enfado que se genera cuando estamos frente a la pantalla.

Que alguien me explique por que el cine independiente norteamericano, a veces, desea copiar al cine francés, pero al cliché que sobre el cine francés existe: gente que fuma y habla de “verdades trascendentales” (no sabia que la comunicación humana solía ser tan grandilocuente) mientras le pone los cuernos al marido, eso si, todo con mucha profundidad, dolor y duda. Todo muy poco verosímil, por grandilocuente y forzado.

Es un error esperar que el cine se parezca a la vida, el cine la representa: mejor o peor, pero nunca igual, porque una cosa es la vida y otra el cine, sin embargo creo que si, el cine puede influir en la vida, como toda forma de arte. Y si vamos a ver el sexo y las relaciones del modo enrollado, convulso y absurdo que se plantea en algunos films, mejor paso. El sexo –y el amor- es –cuando hay placer y encuentro, cosa muy rara si, lo admito- algo mucho más simple.

Calificación: 6/10

El cine que nos falta por ver: Los intocables (1987), Brian de Palma

2011-12-05T11:12:00.000-08:00

Me gusta eso del cumplimiento de la ley, I like being a man, tanto como a Al Capone o a Eliot Ness, dos hombres en extremos opuestos, pero que quizás en el fondo tienen algo en común: quieren que el mundo se parezca un poco más a lo que les gusta.

Kevin Costner, Robert De Niro, Andy García, y Sean Conery, actúan entregando todo de su talento, en esta cinta que recrea el asunto de la prohibición del alcohol en los años 30 en Chicago (USA).

Al Capone hace lo que le da la gana, controla el negocio ilegal por las malas, poniendo bombas y asesinando al por mayor, so… un hombre quiere terminar con su negocio: Eliot Ness.

Creatividad en la filmación

En líneas generales un jovencísimo Andy García y un joven Kevin Costner no se ven opacados por la presencia de De Niro (quien ya estaba acostumbrado a ser un mafioso en el cine: El Padrino II 1974) o Sean Conery (un hombre de acción desde 007), llenando de actuaciones formidables el film, full de grandes momentos y con un clima de tensión que no te deja descansar hasta la escena final. La vieja disputa entre el hombre que quiere hacer cumplir la ley y aquel que se rehúsa nos hará esta aventura fílmica especialmente sangrienta y entretenida, lo que quizás se deba un poco más a los giros de cámara y la creatividad en las escenas (tomas aéreas que recrean puntos de vista diferentes, la forma de moverse de los actores en los espacios) que por la anécdota en sí.

Grandes momentos

Una buena película se compone de buenas escenas, como una vida se compone de momentos, los cuales mientras mas gratos, generaran mejores sensaciones en cuanto al conjunto. Los Intocables de Brian de Palma esta llena de grandes momentos, que aunados al elenco que los representa harán del film una verdadera obra de arte. Veamos solo algunos...

Escena 1: Una toma aérea en la primera escena nos trae a un Robert De Niro mas cínico que de costumbre interpretando a Al Capone, un poco calvo y gordo para encajar en su personaje, lo están afeitando mientras responde las preguntas de un grupo de periodistas: “I grew up in a tough neighbourhood. We used to say “You can get further with a kind word and a gun than you can with just a kind word” (Crecí en un barrio duro, Allí solíamos decir: Puedes hacer mas con una palabra amable y una pistola que solo con una palabra amable) dice Al Capone con su mejor sonrisa. Cínico y genial.

Escena 2: Al Capone se dirige a su grupo de trabajo hablando de las cosas que “entusiasman a un hombre”, y a el lo entusiasma “el béisbol”, cuyo juego, explica, funciona gracias al trabajo en equipo. Bate en mano, y furioso por el primer golpe que le han dado Los Intocables, con una actitud aparentemente calmada, mata a batazos a uno de los comensales en plena mesa, una toma desde arriba te muestra el cráneo del hombre y la sangre que corre por toda la mesa. Sangrientamente sorprendente.

Escena 3: Al Capone se entera del segundo golpe de Los Intocables a su negocio, furioso grita una de las mejores líneas del personaje, ya que lo muestran en su esplendor: I want that son of a bitch dead! I want you get this fuck where he breathes! I want Eliot Ness dead! I want his family dead, his house burnt to the ground! I want to piss on his ashes! Robert De Niro actuando en estado puro.

Calificación: 10/10

Inside Deep Throat (2005)

2011-11-24T16:46:00.000-08:00

Fenton Bailey y Randy Barbato dirigen este documental sobre una de las películas más polémica en cuanto al cine porno se refiere, ese que todos han visto, pero nadie confiesa haberlo hecho. Garganta profunda y Linda Lovelace causaron una revolución, y como no iba a ser de ese modo si las buenas artes de Linda son indiscutiblemente impresionantes. Sin embargo, todo el aspaviento por este film quizás se deba no necesariamente a la cinta en sí, si no a la pacateria que siempre alienta mucho más el morbo que la desvergüenza. Es un hecho: detrás de todo buen pacato, hay como en las novelas de El Marqués de Sade un vicioso redomado, quizás eso de si me dices “no toques” mas ganas me darán de hacerlo, es totalmente cierto.

El documental cuenta en boca de sus protagonistas y con un gran respaldo investigativo lo que significó la realización del film, los contratiempos de los actores, el director y todos aquellos que participaron, además de las impresiones de algunos de los personajes emblemáticos del mundo del porno: Hugh Heffner, editor de la revista Playboy; Larry Flint, editor de Hustler, John Waters, y los escritores Gore Vidal, y Norman Mailer entre otros.

Con una narración dinámica que se sostiene por imágenes creativas y el entorno cultural, histórico y social de lo que fue la película, el documental se sostiene además, contando anécdotas personales, como la transformación que sufrió con el transcurso de los años la estrella: Linda Lovelace, quien llegaría a renegar de su participación en la cinta.

Inside habla del film, pero no tratando de redimirlo como objeto artístico, mas bien su análisis objetivo se enfoca en lo que fue la época y su entorno, quienes fueron tal vez los culpables de convertir una película que podría haber sido una mas en todo un ícono de la cultura pop. Mas allá de la felación, ese arte puertas adentro que muchas disfrutan tanto como el personaje de Linda en el film, el documental que lo analiza parece decir que en gran parte: Garganta profunda no es mas que un invento de la propia cultura que la censuró.

Calificación: 10/10

José José y los 80

2011-11-20T16:47:00.000-08:00

José José sabía cantar muy bien en su juventud, sin embargo su asombrosa voz fue desapareciendo con el paso de los años muy rápidamente, demasiado rápido debido a circunstancias de su vida personal harta conocidas por todos. Sin embargo, conocí a José José (y lo amé) cantando bastante menos e interpretando bastante más, porque en los 80, José Sosa no utiliza tanto sus recursos físicos (la voz), si no más bien sus recursos como intérprete, como un hombre que sabe muy bien su oficio: cantar, con o sin voz.

Soy así (1987)

En esta etapa de su carrera, exitosa aunque un tanto vilipendiada por los que prefieren al José José de “El triste”, tiene grandes discos como este producido, compuesto y arreglado por un tipo que debe ser muy inteligente: Rafael Pérez Botija. No sé si es un recuerdo de la infancia lo que me hace volver a escucharlo, no sé si es que estoy enamorada de José José de toda la vida (really: I'm in love como en la película de Mauricio Ochman) o que de verdad las composiciones de Pérez Botija son tan interesantes (a nivel de letras y arreglos), como “Cinco minutos” que no es una canción de amor, si no mas bien plantea un conflicto existencial, divertidas, como “Vergüenza me da quererte” y “Salúdamela mucho” un poco satíricas las dos, dramáticas noveleras (y como me gusta ser novelera) como “Cobarde”, “Soy así”, y “Si te parece poco”.
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Gracias (1981)

Otro gran disco, producido, arreglado y compuesto por Rafael Pérez Botija, es “Gracias” (1981), en esa misma onda de interpretar, sin embargo la voz de José José es mucho más firme y su pericia para alargar las vocales y cantar “de cierto modo”, no plano, no aburrido, si sexy y creativo y arriesgado (escuchen “Ámame” y hablamos).... En fin el mejor “otro José José”, quien como el resto de los mortales tiene varias vidas en una, varias etapas, sin que la una privilegie a la otra. De este disco me encantan: la que da el titulo álbum: Gracias, Una noche de amor, No puedes mentirme!!!!, Preso, Ámame, Me basta.

Calificación: 10/10

Ver a Hilda Vera (1998), documental de Alberto Gómez

2011-11-12T17:35:00.000-08:00

El documental sobre la actriz venezolana Hilda Vera, no es solo la exposición y muestra del talento de la actriz, si no la elaboración de un discurso que descubre una época del cine nacional contada por sus protagonistas.

Con testimonios de Román Chalbaud, Orlando Urdaneta, Tania Sarabia, Miguel Ángel Landa, Rodolfo Izaguirre, Rafael Briceño, entre otros, el director, Alberto Gómez, cuenta la historia de vida de Hilda Vera, que al parecer, más que nacer para actuar, nació para ser actriz, dentro y fuera de los escenarios, convirtiéndose ella misma en el mejor personaje que pudo interpretar.

En los testimonios de su familia, compañeros de trabajo y gente cercana, descubrimos a una Hilda Vera, quizás un tanto olvidada en este país de desmemoriados, llena de una pasión, una vitalidad y una mística de trabajo envidiable.

Alberto Gómez sabe jugar con los testimonios de sus entrevistados, para dar una visión contradictoria y por tanto rica y creativa sobre la mujer, la persona y la actriz, demostrando que, a fin de cuentas somos muchas cosas bajo la misma piel.

Dan ganas de salir corriendo a ver de nuevo todas las películas de la señora Vera, dan ganas de reconstruir su historia cinematográfica reviviendo cada escena, cada diálogo, cada plano que construyó en la historia del cine nacional. Este documental, me atrapó desde el principio hasta el fin, vale la pena buscarlo para reconocer y reconocerse en los anales de la verdadera Venezuela.

Calificación: 10/10

Colombiana (2011) En esta vida, las chicas listas consiguen lo que quieren

2011-11-08T20:43:00.000-08:00

Es sabido que el cine es imágenes, y que uno se enamora de ellas y de los elementos que las conforman. A veces es el encuadre de un paisaje, un decorado (como en las cintas de Almodóvar), otras veces es un actor o una actriz, su belleza, cualquier gesto o actitud. Cuando eso pasa, sucumbes y terminas pagando tu entrada al cine no para ver “una película”, si no para ver a tal actor, actriz o decorado. Ya saben… los cinéfilos son gente loca, con manías, enamorados solos de desconocidos, o mas bien de sus imágenes o personajes.

Es fácil enamorarse de las estrellas femeninas de los films de Luc Besson, a quien le gustan las mujeres agresivas y cargadas de deseos de venganza. Eso si, que midan dos metros, tengan buenas piernas y unos cuerpos tallados como modelos.

La película dirigida por Olivier Megaton recuerda mucho a Nikita, la cinta de 1990 de Besson, quien aquí sólo escribe. La trama, a pesar de no ser original, convence, te arropa el tiempo que dura el film. Eso quizás se deba a la actriz de origen dominicano Zoe Saldana, o tal vez es que el cine de acción ha vuelto, como tenia tiempo que no lo hacia, pues la cinta entretiene al mejor estilo de las viejas películas de J.C. Van Damme, cuyos elementos llenaban las expectativas: balas, amor, sexo, crisis, violencia, cuerpos perfectos y resolución feliz. Esta los tiene todos, y tiene el mérito que siendo obvia (sabes lo que va a pasar) te alarma, te imprime cierto grado de excitación filmica.

Saldana es elegante y bella, tanto como para enamorar a la cámara, en el film que tiene una fotografía que anima (es de lo mejor en la cinta) donde a cada detalle parece que les tomaran su mejor ángulo, como a la actriz protagonista, que corre semi desnuda en muchas escenas, mostrando un cuerpo envidiable.

Lo peor: la pregunta impertinente que nos viene a la cabeza, mientras vemos la película, ¿Qué hace Jordi Mollá aquí? El actor español, parece que necesita mucho el dinero o ya no tiene proyectos interesantes, como los que hacen sus compatriotas: Bardem y Penélope Cruz. Desde Bad Boys II, va la industria lejos de su país, a hacer roles de latino delincuente. Su caracterización se repite sin novedad.

Lo mejor: El inicio, se toman la molestia de explicar largamente como comenzó todo y Zoe Saldana, quien casi parece Angelina Jolie en Salt.

Calificación 8/10

El origen del planeta de los simios (2011)

2011-11-03T04:40:00.000-07:00

Los simios de Rise of the Planet of the Apes (2011) no asesinan, ellos solo se defienden, su violencia no es abusiva, premeditada, formulada por la idiotez o el odio sin sentido. Creo que adrede, en la película de Rupert Wyatt, los simios son “humanos” en contraposición a los hombres que nunca han sido civilizados como los animales, tal como escribió Walt Whitman.

El mundo dejará de ser lo que ha sido debido a la estupidez humana, que en el film (y en la realidad) es infinita, lo raro es que uno no puede hacer otra cosa que alegrarse, uno no puede hacer otra cosa que celebrar que los simios se liberen y que ejerzan su inteligencia para acabar con la raza humana en el entretenidísimo remake (de algún modo lo es) del clásico “El Planeta de los simios” (1968).

Con una reflexión (siempre inherente a estas películas) sobre el trato humano hacia los animales, así como a sus pares y al planeta tierra, la película transcurre ante los ojos del espectador dejando una sensación de indignación que te ayuda a verlo sin pestañear. Este es la historia de lo que aconteció antes de que los humanos dejaran de poblar la tierra, tal como sucede en la cinta original.

César, el simio digital protagonista, actúa mejor que James Franco y John Lithgow, que también están muy bien en sus roles. Los efectos especiales son geniales, pero mucho más lo es el guión y las ideas subyacentes y lo emocionante de las emociones transmitidas por los personajes digitales, los simios, que son a fin de cuentas los protagonistas.

Calificación: 9/10

Abduction (2011)

2011-10-31T15:47:00.000-07:00

La gente mayor no va al cine, suena mal, pero tal parece que algunos productores de películas lo creen… and me too, particularmente creo que cuando uno se hace mayor olvida muchas cosas. En mi caso trabajo en que no sea así, pero nunca (ni cuando fui adolescente) vi tanta oferta cinematográfica para teens, pienso en eso cuando salgo del cine de ver Abduction (2011), titulada en español “Sin escape”.

Taylor Lautner, ya no es el lobo sexy adolescente de Crepúsculo, es un adolescente, pero intenta dejar atrás su personaje actuando en otros contextos. No sé, soy una mujer nostálgica, creo que el género de acción no pasa desde hace años por un buen momento. Desde Jean Claude Van Damme, no he visto otra estrella deslumbrante en el panorama de puños y patadas. I know… hay otros, pero yo sigo extrañando la década de los 90, tiempo “feliz” o productivo para el terror y la acción Hollywoodense.

O las fórmulas están agotadas, o las tramas son repetitivas, o no sé que pasa, pero con la excepción de Matt Damon, en la saga Bourne, la cinematografía de este género ya aburre: más de lo mismo. Sin embargo, la película de Taylor no esta mal, entretiene, es emocionante de algún modo, admito que no pensé (en irme, en que cerámicas escoger, en mi mundana vida, en mi ex) el tiempo que estuve frente a la pantalla del cine.

No sé que tanto le puede interesar a los espectadores un film con una criatura de protagonista (lo admito: me sentí vieja and yes, is cute, pero es un niño ¿o no?), es claro que es una cinta pensada para su público, las adolescentes que lo siguen desde Crepúsculo.

Puede parecer baladí que el protagonista tenga 17 o 18 años (en el film, en la vida tiene 19), pero eso es determinante para la trama, ¿Cuánta acción verosímil se puede tener a esa edad ? Los protagonistas de esa clase de cintas (las de acción), han sido en su mayoría “gente hecha”, gente “adulta” (no responsable, pero si adulta), con mecanismos, con dinero, con libertad. Creo que esta particularidad de la historia, limitó un poco la acción, sin embargo, a pesar de ello los escritores del film, logran interesar al espectador, debido a que las secuencias de acción están bien planeadas, son creíbles y van con la historia.

El cuento de la CIA es lo de siempre… bla,bla, bla, a veces me imagino que los actores se harán chistes entre ellos con esa historia (Matt Damon en Bourne, Liam Neeson en Unknown 2011), si, ya sabemos que la CIA esta en todo y es el ojo detrás de cada acontecimiento: I get it..

Creo que si vemos Abduction en su contexto nos va a garantizar al menos un buen tiempo de desconexión de la realidad, piénsenlo: no pierdan la esencia con la edad, no sean tan amargados.

Calificación: 7/10

Salvando escenas de películas: "I know it was you, Fredo. You broke my heart. You broke my heart! ”

2011-10-30T14:39:00.000-07:00

El padrino. Parte II

Salvando escenas de películas: "Putos no faltan lo que faltan son financistas”

2011-10-29T20:41:00.000-07:00

Nueve reinas (2000)

Marilyn Monroe en DVD: Don't Bother to Knock (1952)

2011-10-28T18:04:00.000-07:00

Las películas con Marilyn Monroe son interesantes de ver quizás en mucho porque son con Marilyn Monroe. No queda de otra, el cine es así, construye mitos y uno los sigue, para bien o para mal, haciendo que todo aquello en lo que participaron se vuelva célebre o importante, tal vez porque forman parte del relato de la vida de esa actriz o actor.

Don't Bother to Knock (1952), llamada en español “Niebla en el alma”, es una película rara, aunque no por ende “artística”, donde podemos ver a Monroe actuando en un papel que me recordó mucho al de Vivian Leight en “Un tranvía llamado deseo” (1951). Blanche esta un poco loca como la niñera psicótica que interpreta Monroe en este film, y esta loca también debido a una perdida, de otro tipo, pero perdida al fin.

A diferencia de Vivian Leight en su rol de Blanche y en su larga carrera cinematográfica, Marilyn tuvo pocas oportunidades (quizás el sex simbol que fue arropó a la actriz) de mostrar que además de todo también actuaba, aquí hay mucho de eso.

Y no es que este film sea una obra de arte o un retrato profundo de un alma en el abismo (eso lo escribí con ironía nótese) si no que aquí no hay sonrisas, ni vestidos caros, ni coqueteos de rubia ideal. Estoica y nerviosa su personaje se muestra ante las cámaras no tratando de gustar, ni de halagarse, tratando de dejarnos ver su desorden mental, a pesar de lo estrecho y poco creativo del libreto, con arquetipos un poco trillados: la cantante de cabaret, el conquistador insensible, entre otros.

Marilyn Monroe parece que sufrió al igual que Elvis (Prestley) por no ser considerada un actriz seria, por no ser necesariamente respetada (y si deseada, lo fue mucho, aun ahora cuando poco debe importarle), quizás muchos más films sin tanta bisutería la habrían ayudado. Personalmente, siempre he creido que no le hizo falta ser otra cosa de lo que fue, pues ella brillaba y era una estrella, solo que quizás pudo encausar su talento por caminos un poco más versátiles, ni hablar de sus emociones, su belleza y su vida tan prontamente desperdiciados.

Una desconocida Anne Bancroft (El graduado) hacia su debut en esta cinta, junto a un actor que no tenía registrado del todo: Richard Widmark.

Calificación: 8/10

Moneyball: Rompiendo las reglas (2011)

2011-10-27T18:16:00.000-07:00

Es increíble el parecido entre Robert Redford y Brad Pitt sometimes, no en la forma de actuar, en el porte, esa cosa física que nos recuerda que quizás es verdad que todo el mundo tiene un doble.

En The Natural (1984) Redford también juega béisbol como Brad Pitt en Moneyball (2011) y al ver al segundo no pude evitar recordar al primero, pero solo en lo físico: la sonrisa, los modos, no sé, estoy segura de que ellos lo saben, tienen mucho en común, como lo demostraron en ese duelo que hicieron en la película Spy Game (2001).

Moneyball es sobre béisbol, pero no de un modo muy común y corriente, es una cinta casi para verdaderos eruditos en la materia (o gente no tan neófita como yo), puedo decir que no entendí nada, pero absolutamente nada de lo que hablaron. Sin embargo me gustó mucho, conecte con la esencia de la historia, que va mas allá del béisbol, pues al final el juego más importante es este de todos los días (si, suena cursi) la vida.

Billy Beane es un tipo con suerte, no solo le ha ido bien, si no que Brad Pitt lo representa en el cine, ¿Qué más puede pedir?, no voy a contar su historia ni a explicar su forma de manejar un equipo de béisbol (que es básicamente la trama del film), ya dije que de eso no entiendo nada, simplemente me remitiré a decir que su true history funciona, comunica, conecta, por el temple del personaje que nos venden, quizás la culpa la tiene en mucho Brad Pitt que no se sabe que hace mejor si sonreír o actuar.

Bennett Miller , el director de Capote (2005) nos trae un film un poco lento, un poco enredado y disperso, pero que termina funcionando, porque lo mejor de la cinta es precisamente sus silencios, sus reposos, sus dejarte ver de un modo nada obvio, lo que representa arriesgarse por lo que en realidad te gusta.

Atrapa la actuación de Brad Pitt, y la song (The show) cantada por Kerris Dorsey, original de Lenka.

Muy buena la actuación de Jonah Hill y la anécdota esa de… ¿Cómo se llama cuando bateas y la pelota se pierde de vista? Ah ya... hacer un jonrón, la anecdota de hacer un jonrón y no darse cuenta… Cuando vean la película se van a acordar.

También eso de que el primero en cruzar la pared siempre sale herido, hazte un favor: por eso siempre me lo digo a mi misma; "hazte un favor, Luisa, haz algo nuevo, algo original, algo revolucionario"

Calificación: 10/10

Travesía del desierto (2011)

2011-10-26T18:59:00.000-07:00

Un crítico no quiere hacer cine, un comentarista de cine no quiere hacer cine (al menos no debería querer), no sabe como, no ha estudiado para ello, solo ve películas, ese es su principal trabajo: ver y ese hecho, le da perspectivas, le ayuda a comprender y a tener herramientas para comparar o para juzgar. Y eso es lo malo, sorry siempre juzgas: en el cine y en la vida, parece que es natural.

En el cine los motivos y los temas son lo de menos, lo que importa es ser verosímil, creo que eso es básico: como en el amor si no te creen, te jodiste. Y de verdad, de todo corazón, no le pude creer mucho al realizador de esta película, pues da la impresión de que ni el mismo sabia lo que estaba queriendo contar.

Lo siento mucho por el señor Zurita, actor de la vieja escuela, a quien he visto innumerables veces en televisión y en el cine (no me pondré a enumerar porque escribiría diez páginas), buen actor, con una dicción impecable, y si… vamos… lo diré me hacia temblar las rodillas a los 13, y quizás después, quizás todavía: ¿Lo han visto a sus casi sesenta años?, es de esa clase de hombre que parece que los años no les caen encima, al menos no para pudrirlos. Si no hubiese sido por el, jamás se me ocurre ir a ver “Travesía del desierto”.

Juro por dios que a ratos sentía que estaba viendo “Con el corazón en la mano” el film grandilocuente de Mauricio Warlenstein, juro por dios que el personaje de Claudia La Gatta, me recordó muchísimo al de Maria Conchita Alonso en el film del mismo director de 1988: ambas mujeres provocadoras, llenas deseos enfebrecidos, vicios y con ansias de calmar la entrepierna. Tan parecidas, sobre todo en que ambos personajes son tan obvios, tan caricaturescos, exagerados que no logran convencerte ni de su deseo, ni de su amor, ni de su odio.

Cuando empieza la película en un tono light, uno cree que va a ver una cinta de aventuras, mezclada con romance y quizás un poco de sexo, algo tipo El especialista (1994) (¿la recuerdan? un film que no busca nada de arte ni de grandes temas, pasa piola solo porque Luis Llosa no se toma tan en serio el sexo entre Stallone y Stone) pero cuando el film avanza te confunde: ¿Es esta una cinta porno, un drama, una comedia o qué?

Y no me salgan con eso de que es una película compleja que maneja todos los formatos y géneros (lo cual seria muy válido), porque aquí lo grave es que –como espectador- uno no sabe cuando reír o cuando llorar, porque el guión quiere abarcar tanto que termina mostrando nada.

Travesía del desierto es una gran interrogante y genera un gran vacío, con todo y su muy absurdo intermedio musical (es la escena más traída de los pelos que he visto en mi vida), donde cantan y terminas preguntándote a razón de qué...

Travesia no obedece ninguna regla de lo que se llama la trama de un film y las intenciones que se supone debería llevar todo guión consigo, eso que responde a la pregunta básica (tacita siempre para quien mira): ¿para qué se nos cuenta lo que se nos cuenta? ¿Nos quieren entretener, nos quieren hacer llorar, nos quieren hacer reír?

Situaciones exageradas, y vacías que no nos dicen nada, son en su mayoría lo que intenta recubrir las faltas de cohesión en la historia, pero ni a fuerza los zapatos entran y, por ejemplo, el drama de cada personaje contado como anexo de la aventura (de un modo absolutamente forzado) no logra ponernos en situación ni relacionarnos con estos cuatro desafortunados (el millonario en desgracia, la modelo erótica, y los mejores amigos de ambos) que intentan huir de la muerte o lo que sea, pues ni la adrenalina ante la persecución (a pesar de los efectos especiales) llega a sentirse desde la butaca de la sala de cine.

Mención aparte merece el sexo, que es muy importante en los films de Mauricio Warlenstein (Macho y hembra, De mujer a mujer, también con Zurita por cierto) y que no lo es menos en esta película:, muy bien, creo que el director nos convence de dos cosas: la primera que Claudia La Gatta es hermosa (bastante) y la segunda que nunca sé es suficientemente mayor como para tener sexo en el desierto, con una jovencita mucho menor que tú, pero mas allá de eso (espero que entiendan mis ironías) no pasa nada, porque el melodrama erótico no va a ningún lado, la historia que posa de ser "de arte" no llena las expectativas.

El guión es demasiado flojo, soso, aburrido, si quería hacer del sexo “algo más”, algo con peso en la trama, hubiese tenido que poner más énfasis en el libreto, en los diálogos, en las actuaciones (que exceptuando a Zurita todas son muy regulares), en la historia en sí, que termina siendo mucho ruido y pocas nueces.

De su película, el director ha dicho: “Es una película sobre la solidaridad humana, la irreverencia, la insumisión, y la posibilidad de que dos seres que no tienen nada que ver el uno, con el otro, puedan ser redimidos por la pasión” y yo me pregunto: ¿Qué pasó?, porque de esto no vi absolutamente nada.

Calificación: 5/10

3 con Martina García

2011-10-26T13:50:00.000-07:00

Amar a morir (2009)

Rabia (2009)

Satanás (2007)

Cine Venezolano que no has visto: Canción mansa para un pueblo bravo (1976)

2011-10-25T07:55:00.000-07:00

Esa mirada de extrañamiento que tiene Gilberto (Orlando Urdaneta), es la que a estas alturas hemos perdido casi todos en las grandes ciudades, en Caracas, por ejemplo, que ya en 1976 eran una “calle luna, calle sol” como en la canción de Héctor Lavoe.

Recién llegado de Moruy estado Falcón, Gilberto se da cuenta que vivir en la ciudad es diferente a su existencia en su pueblo natal, pues si no sabes leer ni escribir, no conoces a nadie y no tienes dinero, conseguir trabajo es por decir lo menos: difícil.

“Hay veces que el querer trabajar no basta”, le dice su amigo Freddy (Tito Aponte) a Gilberto, quien se gana la vida robando, prostituyéndose y rebuscándose: “Mira carajito la plata es una cosa muy buena, aunque te cueste el culo” le advierte, lo que veremos a continuación es el “convencimiento” que le prodiga la ciudad a Gilberto de esa aseveración.

El film dirigido por Giancarlo Carrer muestra a modo de comedia (es muy divertida), las vicisitudes de Gilberto, y un buen panorama de la Ciudad de Caracas (una visión de la ciudad de Caracas) en los setenta, muy convincente, ¿Por qué? Porque muestra con humor lo que es una cosa muy seria: la lucha por la sobrevivencia para las personas de clases menos afortunadas. No es un panfleto, no es un fastidio lacrimógeno que pretende “aleccionarnos”, es una película con un guión divertido por inteligente donde el elemento sorpresa siempre esta presente.

Un mundo bastante sórdido en un film que lleva a nuestro protagonista a realizar un periplo que lo transformará para darle al espectador un final redondo.

Da la impresión de ser una película tesis: Canción Mansa Para un Pueblo Bravo, es una cinta bien filmada, sin balas ni groserías, con actuaciones donde destaca un pasmado y tímido Orlando Urdaneta, jovencísimo en su rol de Gilberto.

Calificación: 10/10

Reto 30 días, 30 Libros, Día 10 / Uno con una pésima versión cinematográfica.

2011-10-23T16:20:00.000-07:00

Comer, rezar y amar / Elizabeth Gilbert

El libro autobiográfico, el viaje interior (y físico) de su protagonista, que describe lo que fue la transformación de la vida de la autora estadounidense, no llega a mostrarse en la cinta protagonizada por Julia Roberts. Por el contrario, es un film aburrido, poco convincente, ni Javier Bardem logra motivar una historia que se desdibuja y no llega a ser lo que se supone debería. El libro por el contrario es rico en descripciones, donde la voz de la autora es de lo que más nos envuelve en su trama llena de pensamientos, reflexiones, ideas e historias.

Gilbert ganaría mucho dinero con el film, pero seguro ganó más con el libro luego de la película, que solo sirve para motivar su lectura.

Reto 30 días, 30 Libros, Día 9 / Uno con una excelente versión cinematográfica.

2011-10-23T16:12:00.000-07:00

The notebook / Nicholas Sparks

Las novelas rosadas de Nicholas Sparks son mucho mejor en el cine, me gustan mas si son representadas por actores y no imaginadas mientras avanzas en su lectura. Ryan Gosling y Rachel McAdams protagonizan la cinta, junto a James Garner, y Gena Rowlands, en una versión madura de sus personajes.

The notebook es la primera novela exitosa del que se ha convertido en uno de los autores favoritos por el cine “romántico” para filmar sus historias (La última canción 2010, Un amor para recordar 2002, Querido John 2010, Message in a Bottle 1999).

Mejor verla que leerla.

Salvando escenas de películas. Make each day count

2011-10-21T08:43:00.000-07:00

"Well, yes, ma'am, I do... I mean, I got everything I need right here with me. I got air in my lungs, a few blank sheets of paper. I mean, I love waking up in the morning not knowing what's gonna happen or, who I'm gonna meet, where I'm gonna wind up. Just the other night I was sleeping under a bridge and now here I am on the grandest ship in the world having champagne with you fine people. I figure life's a gift and I don't intend on wasting it. You don't know what hand you're gonna get dealt next. You learn to take life as it comes at you... to make each day count. " Titanic (1997)

Aunque no llore en el cine, no me dio un infarto, no me sobresalté cuando la vi, una semana luego de su estreno, a los 17 años (el tiempo es inclemente, ya tengo 31) reconozco que un film como este que ha enfrentado todas las criticas posibles (a pesar del éxito de taquilla y sus 11 Oscar, incluyendo mejor director y mejor película), que ha sido catalogada de sobrevalorada, floja, cursi y de poseer muchísimos errores técnicos, cuenta con una serie de ingredientes que la hacen una gran película.

Titanic es victima de un prejuicio que invade a cualquier film que recree alguna relación amorosa, parece que “el amor”, tan banalizado en la vida y sin duda en la gran pantalla, no es un elemento que inspire respeto si es tratado cinematográficamente.

Ya sabemos todos de que va... Rose no soporta la prisión que representa su vida, decidida de antemano por otros. Desde que se embarca en el Titanic conoce su suerte: un matrimonio sin amor y una vida de esclavitud en una jaula de oro.

Jack Dawson, por su parte, es un pintor que se gana por azar, el ticket para viajar en el legendario Titanic, y la conoce una noche en que ésta intenta suicidarse.

En el barco viajan personajes reales junto a los ficticios que son los encargados de darle sustancia al film. El marco de esta historia, es el hundimiento del Titanic en 1912.

Los elementos históricos tomados por James Cameron, serán como en toda película de este estilo, aleatorios , es decir Titanic no parece ser una cinta que pretenda relatar un hecho histórico a pie juntillas, sino una película que se sirve de él para contar.

En la escena que menciono arriba, Jack es invitado a comer con Rose (Kate Winslet) y su prometido, como premio por salvarle la vida. Un Leonardo DiCaprio de aspecto muy juvenil recita a la perfección su parlamento, que a mi particularmente me gusta escuchar, sobre todo en días grises: make each day count!

Intersection (1994) con dudas, El cine que nos falta por ver

2011-10-19T13:36:00.000-07:00

Nunca me sucederá lo que le pasa a Vincent Eastman, en la película protagonizada por Richard Gere y Sharon Stone. Soy una loca y me concentro demasiado, cuestión de carácter: Tauro terco, no dudas, no bifurcaciones.

No es que el film del poco conocido director Mark Rydell sea una obra de arte, es mas bien que presenta de un modo original el tópico de siempre: un hombre, dos mujeres, y una interrogante por dirimir, la “intersección” de donde no sabe como salir el pobrecito –y guapo- Vincent Eastman, un Richard Gere en el papel exacto que dios diseñó para el: atractivo arquitecto, con el corazón dulce y el pantalón abultado.

La trama es muy sencilla, en realidad nunca ocurre exactamente nada particular afuera, el conflicto es interno y el mérito del director es precisamente ese: mostrar afuera algo que ocurre en el interior del personaje fundamental. Porque en “Intersección” el entorno del protagonista esta lleno de piezas que el –y nosotros- ve movilizarse sin que lo toquen realmente, pues es finalmente quien decide como se involucra con los personajes que le rodean, quien esta confundido y los pone a jugar diferentes roles.

En la película de 1994, Lolita Davidovich es Olivia, la novia del recién divorciado Vincent (Gere). Sharon Stone es Sally, la ex esposa y socia casi perfecta con quien ha compartido 16 años de matrimonio. Las mujeres están en su papel, mejor Stone que Davidovich, sin embargo el peso del film recae en Gere, quien hace muy bien su rol de seductor indeciso, galán atrapado y todo eso que ha sido para el cine desde que inició su carrera en los setenta. Aunque no es verdad que siempre representa el mismo personaje, ni que es un actor plano que repite parlamentos, de Kurosawa a La Raíz del miedo, Asuntos internos, La sombra del cazador, o más recientemente Brooklyn's Finest, lo han ayudado a probar que es un actor talentoso más allá de su belleza que el tiempo no deteriora.

Una vez dijo, respondiendo a la pregunta de porqué realizaba tantas películas románticas: “Cada momento de nuestra vida está relacionado con lo que sucede con tu pareja, tu marido, tu novia, porque son personas que nos importan. Siempre estoy aprendiendo algo al respecto. Siempre me resulta fascinante explorar ese territorio” afirmó.

Haciendo uso impecable de la técnica del flashback, que redimensiona la historia haciéndonos ir y venir al pasado (o de modo más exacto al recuerdo de ese pasado) de nuestro protagonista, Intersección es un film muy rescatable entre tantas cintas “de amor” que se llevaron a cabo en los 90. Con elementos poéticas, como el tiempo representado en un reloj, metáfora perfecta de la vida adulta que siempre “va en ascenso” como escribió Javier Marías, aunque nos percatemos de ello la mayoría de las veces desafortunadamente muy tarde.

Calificación: 9/10

Por una cabeza

2011-10-18T15:09:00.000-07:00

Tango Bar (1935)

Perfume de mujer (1992)

Soy un perdedor!!!

2011-10-17T14:30:00.000-07:00

"¿qué habrá pasado con mis sueños? ¿dónde estuvo el error?

nunca conseguí lo que soñé...."

De Busca una mujer (1988)

Eliane Elias, So far so close (1989)

2011-10-12T11:13:00.000-07:00

La adicción por Eliane Elias continúa, encontré este texto sobre el último disco que he estado escuchando de la hermosa pianista de Brasil, demás esta decir que no tiene desperdicio. Cortesía Paperblog algo interesante sobre este cd.

8 de los 9 cortes de "So Far So Close" están compuestos y arreglados por la propia Eliane, quien cuenta como productor ejecutivo con el teclista y arreglista Eumir Deodato, además de con una impresionante nómina de músicos tanto brasileños como norteamericanos, entre los cuales nos apetece de forma especial citar al bateria Peter Erskine, a los percusionistas Café y Don Alias, al bajista Will Lee y al recientemente desaparecido saxofonista Michael Brecker, cuñado de Elias y hermano de Randy, también presente en el disco.

Dedicado a Jaco Pastorius y contenido en So Far So Close, el tema, Straigh Across, parece recién salido de la factoría Yellowjackets. Sin embargo está compuesto por Elias.

"So Far, So Close" es un delicioso trabajo repleto de influencias de la música de Brasil pero también del jazz y del fusion jazz que se hacía en los años 70s y 80s. Una perfecta combinación que nos permite además ilustrar una parte importante de la filosofía musical de este espacio.

Rosa Rosa Live, sexy and hot Sandro!

2011-10-11T18:01:00.000-07:00

Una canción popular, que a pesar de haberse escuchado lo suficiente no cansa, no a mi. Lo que más me gusta es la letra y por supuesto, lo sexy, sexy, sexy, sexy, sexy del Papito que fue Roberto Sánchez. Dios mio!!!!

"En la vida, lo que me pone muy loco es no comprender las cosas. Si te dijeran que te van a fusilar… “¿Por qué?”, me preguntarías. Y yo te contesto: “Te vamos a fusilar, porque sí”. En tu lugar, me muero antes, de un ataque de locura por no saber. Pero si me dicen: “¿Sabés quién soy yo? Soy ése al que le afanaste la figurita en el colegio”; “¡Ah! Bueno, ahora comprendo, está bien, tirá y que Dios te perdone, a vos por matarme y a mí por robarte la figurita”. La confusión me pone muy loco. Si comprendo la cosa no hay problema. Las veces que me dañaron, me dañaron porque estaba confundido"

Fragmento de una entrevista. "El hombre de la rosa"

Reto 30 días, 30 libros, Día 8, Uno para leer por fragmentos.

2011-10-07T12:39:00.000-07:00

Javier Marías / Tu rostro mañana I, Fiebre y lanza

“No debería contar nunca nada” dice el narrador del tomo uno de Tu rostro mañana, gran ironía cuando pensamos que esta novela (de tres tomos) sobrepasa las mil páginas. Jaime Deza puede deducir cuales serán los comportamientos de la gente a partir de sus actitudes presentes, el protagonista pertenece a un grupo que se encarga de conocer cuales serán los rostros mañana de ciertas personalidades que deben estudiar con la intención de dar su veredicto.

Leerla por fragmentos es lo recomendable para que rinda, para que no se agote, para poder convivir con la historia mucho tiempo, además de con lo que llama el autor "pensamiento literario", aunque siempre queda la necesidad de leerla en muchas ocasiones.

Reto 30 días, 30 libros, Día 7, Uno muy divertido

2011-10-07T12:37:00.000-07:00

El huracán lleva tu nombre / Jaime Bayly

Jaime Bayly hace reír en la televisión y en sus novelas, posee un manejo del humor que además de ayudarlo a contar las cosas graves que nos cuenta, tiene la inteligencia suficiente como para reírse de sí mismo.

Leí “El huracán lleva tu nombre” todas las mañanas de una semana a las 6:00 am cuando iba a un antiguo empleo y tenia que llegar muy temprano, mientras lo leía me moría de risa y no me daba cuenta de las colas, de lo feo del autobús, de la estupidez de mi compañero de asiento...

Jaime Bayly no construye personajes, el habla de sí mismo, creo que hay dos clases de escritores aquellos artistas que crean como un ejercicio de su imaginación y otros que necesitan reconstruirse hablando de sí mismos, necesitan ponerse frente de todos, ventilar sus miserias y alegrías para no perder el sentido de su existencia o quizás, para sentirse menos solos. Jaime Bayly siempre me ha parecido de estos últimos, aunque su prosa (diga lo que diga la academia) es de las más hermosas –cuando le da la gana, tiene novelas poco felices como “La mujer de mi hermano”- que he leído, esta novela es un buen ejemplo.

Diosas suicidas: Miroslava Stern (1926-1955: 29 años)

2011-10-07T06:16:00.000-07:00

Algunas de sus películas:

1955. Ensayo de un crimen

1955. Más fuerte que el amor

1955 Escuela de vagabundos

1955. El monstruo resucitado

1954. La visita que no tocó el timbre

1953. Sueños de gloria

1953. Reportaje

1953. Las tres perfectas casadas

1952. Música, mujeres y amor

1952. Dos caras tiene el destino

1951. Ella y yo

1951. Cárcel de mujeres

1947. A volar, joven

1947. Cinco rostros de mujer

1946. Bodas trágicas

Reto 30 días, 30 libros, Día 6: Uno de un Nóbel.

2011-10-05T12:07:00.000-07:00

Desgracia / J. M. Coetzee.

David Lurie, el protagonista de esta historia asiste –y nos hace asistir- a una realidad dura, inclemente, extremadamente desagradable. Lo que me gustó de Desgracia no es el tema o la trama que te pudre la conciencia y te llena la cara de gestos de horror mientras la lees, lo que me gustó fue la prosa de Coetzee: ágil, divertida, profunda, un premio Nóbel muy merecido para un tipo que parece inteligente, brillante, pero no pedante.

Reto 30 días, 30 libros, Día 5: Uno de viajes.

2011-10-05T12:04:00.000-07:00

Apuntes Autistas / Alberto Fuguet

¿Se vale repetir? El mejor (viajes reales, cinematográficos y literarios) “Apuntes Autistas” Alberto Fuguet.

Reto 30 días, 30 libros, Día 4: Uno que le gusta a todos menos a usted.

2011-10-05T12:02:00.000-07:00

Harry Potter de J. K. Rowling

No es nada personal, solo que no me gusta la fantasía ni la magia, al menos no del modo en que se toca en esta novela híper famosa, híper bestseller, llevada al cine y culpable de la riqueza de su autora (afortunada y bonita escritora inglesa) J.K. Rowling. Aclaro que me gusta la literatura para niños y jóvenes, pero Harry Potter me pareció desde siempre un pastiche burdo y lugar común (sorry) que repetía formulas de un millón de cuentos infantiles, formulas válidas que conmigo no funcionaron. Sé que es el favorito de muchos, pero a pesar de que leí los primeros dos tomos, jamás pudo ser el mío. Igual a J.K. Rowling igual no le hace falta mi adhesión.

José José, Tan Cerca...Tan Lejos (1975)

2011-10-03T13:04:00.000-07:00

Reto 30 días, 30 Libros, Día 3 / Uno que sea un placer culposo.

2011-10-02T09:47:00.000-07:00

Flores en el Ático (saga) / V.C Andrews

¿Qué buscas cuando lees? Conocimiento y evasión, quizás más lo primero. Para entretenernos necesitamos conocer, ver un poco la vida ajena o el mundo que nos rodea. A los trece leí por primera vez estas novelas de V.C Andrews y no se porque (enfermita de mí) me quede enganchada, sus historias sórdidas sobre hermanos incestuosos, protagonistas rubias y perfectas de dos metros que viven amores turbulentos, gente “mala” y personajes “candidos” me entretuvieron muchísimo. La verdad es que recuerdo mucho la mayoría de las circunstancias de “la saga” Flores en el ático, compuesta por 5 libros contando este: Petalos al viento, Si hubiera espinas, Semillas del ayer, y Jardín Sombrío. Si, no es “literatura” ni gran arte, mucho menos Javier Marías, pero todo hace falta, supongo...

El rumor de las piedras (2011) cine de alto nivel

2011-09-30T19:49:00.000-07:00

Nunca había visto a Rosanna Fernández, pero si solo fuera para ver su actuación tan natural y convincente vale la pena ir al cine a presenciar “El rumor de las piedras” (2011). Su retrato de Delia se construye al detalle, en cada gesto, en cada mirada, en la forma de caminar, de arrastrar el cuerpo en esa miseria de vida de la que quiere escapar para salvarse a sí misma, pero sobre todo a sus hijos.

Mucho se habla de apoyar el cine nacional, pero no me gusta hacer favores ni en el amor ni en la amistad ni con el cine, no fui a ver esta película por ser venezolana, fui a verla porque el trailer me llamó la atención, que bueno cuando uno no se equivoca con algo, cuando un buen presentimiento se cumple.

El film de Alejandro Bellame Palacios (director de la también excelente película "El tinte de la fama) cumple, mas allá de la anécdota, de la historia, que precisamente no fui a buscar, a nadie le gusta recordar lo feo que ha visto o vivido y yo también soy de Vargas, también perdí mi casa y mis cosas hace algunos años atrás, tal como el personaje de Delia, pero corrí con mejor suerte que ella.

La historia no es novedosa en esta Venezuela que nada parece cambiar con el paso de los años, sobre todo para alguna gente, mas jodida que otra (si me perdonan la expresión), así que en esta cinta no es lo que sucede lo que es novedad, es el como se cuenta lo que sucede y en eso su director parece experto. No creo que una película sea buena o mala porque hable de tal o cual tema, creo que una película “cumple” si logra influenciarte, hacerte pensar en ella, mientras la ves y luego, sobre todo mucho después de haberla visto.

Después de ver esta cinta no sé que es mejor: si las actuaciones (todos fantásticos: Alberto Alifa, siempre genial, Cristian González, Rosanna Fernández, una gran actriz sin duda que debe tener muchas otras oportunidades de mostrar lo que sabe: ojala las tenga!!!, todos, incluyendo a los niños: totalmente en sus roles, encajando a la perfección) o la forma tan limpia en que se suceden los acontecimientos, en que se cuenta la historia, nada original, dirán algunos, pero humana, no cliché, no falsa, no exagerada, no dramática a fuerza. Todo parece suceder en un orden perfectamente real, en un tiempo que se ajusta al del espectador que solo puede asentir mientras dura la película, tal como si dijera: es así, no podría ser de otro modo, esto acontece, no es mentira, no es ficción.

En El rumor, uno se asoma a la vida de la gente sin mas (o eso parece), te muestran de tal modo la existencia de los otros que te desconectas de la tuya, estas en el barrio, ves la muerte, la miseria, los encuadres no son pretenciosos ni exagerados, todo parece que fuera (en la realidad) tal cual se te muestra. Gran trabajo del director, grandes actuaciones, diálogos verosímiles, y la promesa de una actriz que ojalá podamos seguir conociendo.

Cine de alto nivel, como se nota que a veces el tiempo no pasa en vano.

Calificación: 10/10

No me lo Puedo explicar

2011-09-29T16:53:00.000-07:00

Con Laura es mejor (me gusta mucho más) pero la letra... la letra quisiera haberla escrito, la versión con Pausini en uno de sus mejores discos: "Yo canto" 2006, de mis favoritos.

3 francesas

2011-09-29T06:58:00.000-07:00

Partir (2009) de Catherine Corsini, drama, entretenida. 7/10

Une liaison pornographique (1999) sexo, romance, ideas. 10/10

L'arnacoeur (2010) con Vanessa Paradis, comedia, divertida, entretenida. 9/10

Reto 30 días, 30 libros, Día 2, Uno que me haya demorado mucho en leer

2011-09-29T05:36:00.000-07:00

Apuntes Autistas de Alberto Fuguet

Me demoré mucho en leerlo porque anotaba, porque me detenía, porque entendí que ese libro era como “la biblia” para mi, y tenia que absorber cada palabra, cada idea, cada conocimiento. De hecho, lo he leído un millón de veces y lentamente. El libro del escritor chileno Alberto Fuguet, habla de libros, de cine, de literatura, pero sobre todo de cine, de una forma no académica, no aburrida, de una forma que –para usar su lenguaje- te conecta con alguien que simplemente ve y escribe porque le apasiona.

El mejor libro para aprendices de escritor (si esto existe), el mejor libro para cinéfilos, el mejor libro para amantes de la literatura, para amantes de la vida en general, si quieres ser más inteligente (así) tienes que leerlo y guarda un bolígrafo para que anotes y subrayes todo. Un libro de crónicas, de ideas, de viajes cinematográficos y literarios.

Paul McCartney - Certain Softness

2011-09-27T19:03:00.000-07:00

...A kind of sadness
In her smile
Captivates me
Surer than anything that's sure
(A kind of sadness)
Surer than anything before...

Reto 30 días, 30 libros, Día 1: Uno que leí de una sentada

2011-09-27T18:53:00.000-07:00

Aquí voy, reto 30 días, 30 libros.

Cien Años de Soledad / Gabriel García Márquez

He leído muchos libros de una sola sentada, pero eligí uno que lei en el colegio (hace mucho) solo porque tenia un examen, solo porque quería acabar rápido con "la tarea".

Leí Cien años de Soledad un sábado y un domingo, lo termine en dos días, casi sin respirar porque el lunes sería el examen de la novela, y como no me gustaba el libro, lo había estado aplazando hasta el último momento. Si, ya se que es una obra cumbre de la literatura, un clásico, etc, estudie Literatura ¿recuerdan?, pero en ese momento estaba leyendo Edgar Allan Poe, y no queria dejar de hacerlo, lo del realismo mágico no era precisamente de mi interés para ese entonces.

Dicen que se escribe un solo libro en la vida y de alli partes para repetirte una y otra vez, en el caso de García Márquez quizás es así, el universo de Macondo vive en sus obras anteriores: La hojarasca, El coronel no tiene quien le escriba, La mala hora, y sus cuentos, como La siesta del martes, etc, pero también vive en todo lo que vino después, incluso su fama y su Nobel.

Ningún libro es necesario ni obligatorio ni obra capital, los libros deben elegirse según los gustos de cada uno. Sin embargo, me gustó mucho de Cien años de Soledad, la exageración y lo absurdo, ambos elementos que usa García Márquez para mostrar los problemas de una Latinoamérica que es la suya, la de su pueblo natal.

Cien años la comenzó a escribir a los 18 años con el titulo de “La casa”, de la novela el propio autor ha dicho: “Todos los miembros de la familia no sólo están solos -lo he dicho muchas veces en el libro, tal vez más de lo que hubiera debido- sino que es la antisolidaridad, inclusive, de los que duermen en la misma cama. Pienso que los críticos que más han acertado son los que han llegado a la conclusión de que todo el desastre de Macondo —que es también un desastre telúrico— viene de esa falta de solidaridad, la soledad de cada uno tirando por su cuenta”

Reto 30 días, 30 libros

2011-09-27T08:56:00.000-07:00

Foto: C.Luisa Ugueto

Lo leí por ahí en el enlace de algún blog, me pareció buena idea, el reto de los 30 libros consiste en lo siguiente: recomendar un libro cada día, durante treinta días, siguiendo el esquema propuesto, que es este:

1. Uno que leyó de una sentada.
2. Uno que se haya demorado mucho en leer.
3. Uno que sea un placer culposo.
4. Uno que le gusta a todos menos a usted.
5. Uno de viajes.
6. Uno de un nobel.
7. Uno muy divertido.
8. Uno para leer por fragmentos.
9. Uno con una excelente versión cinematográfica.
10. Uno con una pésima versión cinematográfica.
11. Uno que lo haya motivado a visitar algún lugar.
12. Una biografía.
13. El primer libro que leyó en su vida.
14. Uno que haya odiado hace años y hoy admira.
15. Uno que haya amado hace años y del que hoy reniega.
16. Uno ruso que sí haya leído.
17. Uno de este año.
18. El que más veces ha leído.
19. Uno que lo haya sorprendido por bueno.
20. Uno que lo haya sorprendido por malo.
21. Uno de cuentos (no valen antologías).
22. Uno de poemas (no valen antologías).
23. Uno que le gustaría volver a leer en su vejez.
24. Uno que no le prestaría a nadie.
25. Uno para aprender a perder.
26. Uno que asocie con la música que le gusta.
27. Un libro que le regalaron y no le gustó.
28. Uno que lo haya asustado.
29. Uno que se haya robado.
30. Uno que pueda salvar vidas.

Lo acepto.... Here we go!

Repetir canciones

2011-09-26T19:36:00.000-07:00

Puedo pasar un día escuchando la misma canción.

Puedo pasar horas escuchando la misma canción.

Pongo el mp3 (ya no Ipod, no todavía) en modo repetición y escucho una y otra vez sin problemas (con placer) that song especial de la semana.

Las canciones que repites, puedes aprenderlas mejor, pones mas atención cada vez en un elemento diferente: la voz, el piano, los arreglos, los coros.

La última canción que repito en mi Mp3 es “Para nada”, Eliane Elias.

Aviéntame

2011-09-25T07:35:00.000-07:00

La estética del vídeo de esta canción, es asquerosa, sórdida, no se... muy al estilo de lo que fue la película de la cual es Soundtrack, real, sucia, enrevesada y un poco enfermita, ¿no? Puedo escuchar "Aviéntame", Soundtrack "Amores Perros" (2000) un millón de veces en un día, me gusta más que el film del combo Guillermo Arriaga/González Iñárritu, me gusta más que cualquier otra song de Café Tacuba, me gusta más que muchas otras songs, es perfecta. Intenta cantarla mientras te das un baño... Uff...

Randy Brecker & Eliane Elias: Amanda (1985)

2011-09-24T19:12:00.000-07:00

En la portada de este disco se ve una Eliane Elias muy joven, que se asemeja más a una modelo de revistas que a una pianista o cantante de jazz. De “Amanda” el que fue su primer disco grabado junto al trompetista Randy Brecker, me gusta el clima existente entre cada canción, lo fácil que se puede escuchar como conjunto. Pero sobre todo, la voz de Eliane en “Para nada”, ese tema que sirve muchísimo cuando cruzas el mar en una lancha con miedo, pero con la emoción de romper con la rutina un sábado, sintiendo el mar que te moja el vestido y la brisa que golpea en la cara sin herirte.

Amanda es el nombre de la hija de los dos.

Calificación: 10/10

La ¿muerte? de la comedia romántica

2011-09-24T18:19:00.000-07:00

Comenzaré este post contando una anécdota personal, uno de mis pretendientes me dijo recientemente: “¿Quieres ver una película para mujeres?”, yo lo mire con cara de “¿Qué te pasa idiota?” y le pregunté: “¿Cuáles?” “Bueno, una película de esas… románticas”, demás esta decir que “no matriculó”, no salgo con idiotas que creen que las mujeres son románticas y los hombres viriles, he visto todo Pacino y soy mujer, mi película favorita es de mafiosos y balas… En fin, las comedias románticas, esas que muchos vilipendian como “películas para mujeres”, se han convertido últimamente en un compendio de clichés y lugares comunes. No tiendo a clasificar el cine, es decir, no creo en géneros: acción, ciencia ficción, drama, comedia, creo en las buenas películas, que a mi entender son aquellas que te ayudan a conectar: con la alegría, con la tristeza, con la ira, con lo que sea que nos cuentan, es todo.

Si una historia es “de amor” y le crees vale, funciona, sirve. No todas las películas románticas son idiotas, no todas las películas de acción son para machos y no todas las películas de terror dan miedo, así como no todas las rubias son tontas o las feas inteligentes, en fin… podríamos seguir hasta la eternidad, en resumen: aunque lo parezca, el mundo no es un cliché, afortunadamente no todo.

Hollywood recientemente ha desafiado esta premisa, quieren seguir forjando estereotipos. De una forma facilista y burda, las llamadas comedias románticas, se han ido desdibujando, contando historias llenas de clichés y por tanto predecibles, además de sin gracia, además de aburridas, además de llenas de diálogos y situaciones que no resultan para nada verosímiles. Tal es el caso de dos recientes, de temática semejante, la primera protagonizada por Justin Timberlake y Mila Kunis, la segunda con Natalie Portman y Ashton Kutcher en los roles principales, ambas con un titulo casi idéntico en español: “Amigos con derechos” o “Con derecho a roce”, las dos 2011.

Mas allá de la “química” de sus protagonistas, las actuaciones aceptables (que no excelentes, a Natalie Portman, por ejemplo, no se le da la comedia, me parece, es demasiado densa para hacer roles light), ambos libretos mantienen un esquema demasiado predecible y forzado. Amigos que tienen sexo y se enamoran en escenas tan faltas de pasión y gracia que no provocan ni conmueven ni un solo mal pensamiento.

No creo que “el romance” tenga que presentarse como una circunstancia acartonada, idiota, donde todo lo que ocurre es demasiado lacrimógeno a propósito, conmovedor a fuerza o sentimental por obligación. A ambas cintas se les notan demasiado las costuras, las escenas carecen de creatividad, los diálogos no recogen ni una frase que te quede “sonando”. ¿Juegan los productores con la inteligencia de los espectadores o ya no hay historias de amor “serias”?

Mujer Bonita 1990, por ejemplo, es cenicienta “nada nuevo bajo el sol”, sin embargo el montaje, el modo de contarnos lo que ya sabemos sucederá (tiene el esquema de cuento tradicional: inicio, intermedio, clima y desenlace) es lo que nos lleva a verla con interés, advertimos en ella diálogos que han permanecido, escenas que han perdurado en el tiempo y que ya son (te guste o no) parte de la cultura popular, luego de más de 20 años de su estreno. En esta cinta de Gary Marshall, se cuidan en extremo los detalles: desde el vestuario de los personajes, hasta las caracterizaciones y los diálogos, hay profundidad en el relato, coherencia, cohesión en el montaje.

Tal parece que Holywood pretende exterminar el género que les ha dado tanto dinero, como si el amor fuese una esquela de lugares comunes o de historias cíclicas que se repiten estúpidamente una y otra vez o será que esta época tan falta de “realidad”, tan llena de fatuidad y Facebook, ¿el publico cree con mayor facilidad lo que se le cuenta? Ni idea… solo que a mi no me han embaucado, gracias a Dios, no todavía.

Chaos and Creation in the Backyard (2005)

2011-09-22T20:18:00.000-07:00

He llegado a mucha música a través del cine, llegué a este disco por “La casa del Lago” ¿saben?, he visto la película ochenta veces, bien por Alejandro Agresti. Escribir sobre música es jodido, porque uno tiende a repetirse, porque la música es como la poesía: imágenes, pero en sonidos. Sin embargo, siempre se quiere escribir sobre lo que nos conmueve, y aunque a penas lo estoy digiriendo, hay muchos acordes aquí, en Chaos and Creation in the Backyard (2005) de Paul McCartney, que me hacen pensar en que quizás es posible escribir música sin prestar demasiada atención, como un ejercicio espontaneo de talento, como olvidando la concentración. Cuando uno escucha el disco, siente que esta asistiendo a una sesión personal –intima, como para sí mismo- de tocar canciones y cantarlas, tal cual salen, sin mucha preparación, como si el talento fuese una cosa en realidad tan natural, que no puede estructurarse para ser mejor de lo que ya es, y en este caso no podría ser mejor.

Como cuando lanzas una moneda en el agua, las ondas son la inevitable consecuencia, en este disco darle play te activará muchas, enormes, placidas ondas en el pensamiento…

Favoritas: This never hapened before, Certain softness, Promise to you girl, How kind of you.

Calificación: 10/10

Waiting for the Sun. (1968)

2011-09-21T13:47:00.000-07:00

Me gusta la voz de Jim Morrison, te envuelve, te relaja. Esta mañana pensaba que ya he vivido 4 años más que él, pues dejo de existir (al menos en este plano) cuando tenia 27. Me gusta The Doors porque no te carga, no te jode la energía, te la renueva, me hace bailar, me deja tranquila, como si estuviese flotando en el aire, como globos rosados...

Watting for the sun te deja pensando sin agotarte, es como estar en un Spa o colocarte una mascarilla que sientes te hará mas bella. Todo un clásico que como todos jamás pasa de moda.

Favoritas: Love Street, Spanish Caravan, Not To Touch The Earth, Summer's Almost Gone, My Wild Love.

Calificación: 10/10.

Susan Sontag habla de cine

2011-09-20T20:11:00.000-07:00

Cinéfilo

"Pienso que un "cinéfilo" es alguien que ha experimentado el cine como una gran forma artística, que conoce con pasión el cine y la historia del cine, que ha visionado y "revisionado" las grandes películas que se han hecho en los últimos cien años, que sigue viendo y buscando las mejores películas que se hacen, hoy en día, en cualquier parte del mundo. Yo me definiría como una cinéfila"

Ver again and again

"Es tan importante ver una y otra vez las mismas películas... Debo decir que, en general, las películas con las que convivo, las películas que veo una y otra vez, son películas de las que no me canso jamás. Pero a veces ocurre que alguna desciende en tu estima. Por ejemplo, las de Tarkovsky.

Acabo de comprar en Londres un DVD con tres películas de Tarkovsky que quería volver a ver: Stalker, The Mirror y Solaris. Me intriga saber cómo reaccionaré después de tantos años.

Mi preferida sigue siendo Stalker, creo. Pero volví a ver Andrei Rublev y pensé, no, ya está bien por un tiempo. Las de Sokurov, por ejemplo, las veo una y otra vez..."

....

"En mi caso, la parte esencial de mi amor por el cine consiste en ver una y otra vez las películas importantes. Hay películas que he visto quince, veinte veces, y espero seguir viéndolas el resto de mi vida. El cine, para mí, no está ligado a la nostalgia. Es parte de mi presente. Mañana regreso a Nueva York y ya sé las películas que voy a ver el sábado, el domingo, el lunes, el martes y el miércoles: son películas que cierran una retrospectiva completa de la filmografía de Ozu. Se trata de películas que he visto más de una vez. Y no se trata de un impulso nostálgico, sino de mantener viva la conexión con un siglo entero de cine."

El DVD

"No estoy de acuerdo en que el estado actual del cine sea distinto del de cualquier otro aspecto de la vida moderna. Si le preguntas a alguien en la calle cuándo tuvo lugar la Primera Guerra Mundial, muchos no sabrán responderte, así que no veo el sentido de este continuo lamentarse. En segundo lugar, creo que nunca como hoy ha sido tan fácil familiarizarse con las riquezas de la historia de esta gran forma artística, y todo gracias al DVD. Tengo amistad con la viuda de Fassbinder, Juliane Lorenz, que fue su editora y ahora dirige la Fundación Fassbinder. Ella ha estado trabajando día y noche durante años para convertir toda la filmografía de Fassbinder a DVD. Ahora mismo es posible conseguir en cualquier tienda hasta veinte películas de Fassbinder en DVD. Nunca ha sido tan fácil familiarizarse con el cine."

Arte, placer, cine

"Simplemente no me importa ser una persona menos productiva. Esos cineastas que dicen que no van al cine, esos escritores que dicen no leer, yo no soy así. Quiero sentir placer, quiero soñar, ser parte del público, pero eso significa que hago menos trabajo. La verdad es que si escribes un par de libros que van a perdurar en el tiempo, ya es mucho. Prefiero escribir menos libros y que sean mejores, y me gustaría hacer una o dos buenas películas. Me tomo la libertad de asumir que me queda mucho tiempo por delante, lo que tal vez sea absurdo, ya que tengo una edad cronológica bastante avanzada. Pero siento que estoy en la mitad del camino de mi obra, no al final.

Entrevista realizada por

Vicente Molina Foix

(fragmentos)

Second Barbra Streisand Album (1963)

2011-09-20T14:28:00.000-07:00

A veces pasa una cosa muy extraña con la gente, la música, los libros, esos que nos enganchan, no recordamos como vivíamos antes, sin ellos. Como si fuesen parte de nuestra vida desde siempre, como si al llegar nos hubiesen eliminado de la memoria el pasado cuando no nos acompañaban. ¿Cómo conocí a Barbra Streisand? Buena pregunta, porque aunque ahora me parezca que mi vida sin ella nunca ha existido, pues antes existía y estaba viva o eso creo.

Fue el cine (siempre es el cine) lo que me llevo a Barbra Streisand. El príncipe de las mareas en la televisión una lazy afternoon para usar el titulo de una de sus canciones. Ella era Susan Lowenstein en ese film de 1991 (dirigido por ella misma) y comencé a preguntarme, quien es esta mujer que escribe, dirige, actúa en películas y también canta. No se sabe que hace mejor, pues aunque siempre dice que ella lo que quería era ser actriz (esa fue su primera intención), definitivamente Barbra es “la voz”, quizás la mejor voz femenina de la historia de la música popular. Tal como Sinatra, ella es un clásico.

Del “Second Barbra Streisand Album” (1963), me gustan todas, pero hay dos o tres que siempre canto, porque se parecen a mi, en la vida como en la música el egocentrismo del hombre se manifiesta: lo que mas te gusta es lo que mas se parece a tu ideal de lo que deberías ser o a lo que ya eres. Suena a trabalenguas… mejor no pensar tanto, mejor escucharla. Este disco posee temas que sigue interpretando cuando se presenta en Vivo, porque conforman éxitos importantes en su carrera, cantó Down with love en su album en vivo de 2006, y Lover come back to me en Timeless (2001), entre otros.

Favoritas: Down with love, I don't care much, Lover, come back to me, Gotta move.

Calificación: 10/10

Circus. (1995)

2011-09-17T14:30:00.000-07:00

Algunos discos son como las relaciones, necesitas tiempo para llegar a establecer lazos… Algunos discos uno los compra, los guarda y pasa el tiempo con ellos en su estuche y bien lejos del reproductor, hasta que un día recuerdas que están allí, que ya que lo compraste deberías escucharlos… Y uff… cuando lo haces descubres el oro perdido en la alhaja que creias de plata. Eso me pasó con Circus de Lenny Kravitz, disco lanzado en 1995, cuando tenia 15 y no tenia idea de que existía. Disco que he redescubierto unos meses atrás, pero que había comprado hace casi diez años… sin prestarle la menor atención… Nunca es tarde cuando… ya conocen el resto de la cita.

Favoritas: Circus, Tunnel Vision, Can't get you off my mind, God is love, Don't go and put a bullet in your head y The resurrection.

Calificación: 10/10

Saluda al diablo de mi parte (2011) Con las manos sucias

2011-09-16T20:26:00.000-07:00

Creo que se escribe para eso, se dirige para eso, se pinta para eso. Para decir, además de entretener, para intentar comprender o mostrar. Creo que Rubén Blades escribió muchas de sus canciones, por ejemplo, para darle sentido a su visión de América Latina, darle sentido para sí mismo, en un comienzo y configurarla luego a los ojos del resto. Tratar de comprender esa es la tarea principal del arte. La literatura intenta hacerlo, formular preguntas y tantear respuestas.

Saluda al diablo de mi parte (2011) es una película que, utiliza el entretenimiento puro y duro del cine de acción, para tratar de hacernos comprender. Usa la adrenalina, el pulso agitado de cada escena para intentar mostrar, dar posibles indicios dentro de una realidad caótica, incongruente y absurda.

Cada país en América Latina tiene su talón de Aquiles, Colombia tiene los suyos, el secuestro es uno de ellos. Incluso García Márquez (Noticia de un secuestro, 1996) ha hablado de un flagelo que conocen muy bien en aquellas tierras, porque lo han padecido de las peores formas posibles.

En este film, los hermanos Orozco (guión de Carlos Esteban y dirección de Juan Felipe), utilizan a manos llenas todas las armas de las que disponen para lograr una cinta técnicamente perfecta, con un gran nivel en efectos especiales y balas. Sin embargo, lo que en películas de ese estilo falla o simplemente no lleva intención alguna (el guión, los personajes), en esta se fortalece.

La cinta protagonizada por Edgar Ramírez, indirectamente, plantea que no hace falta matar del aburrimiento, ni caer en lugares comunes, para hacer lo que el arte es capaz: señalarnos un conflicto a través de una historia.

El film funciona como una película de acción, con efectos especiales, disparos y sensacionalismo, pero como ya dije, no se encuentra despojada de fondo. La forma ayudara a plantearnos inquietudes, a digerir mejor lo que en el fondo se nos quiere contar, pero tantas balas no nos dejan sordos, al contrario, como en “Cuatro días de Septiembre” (Brasil, 1997), el mensaje es claro: si te manchas las manos de sangre, no procures convencerte de que limpiándotelas con las culpas ajenas seguirás estando impoluto.

Calificación: 10/10

El bolero como utopía

2011-09-15T14:02:00.000-07:00

Alfredo Sadel dijo en una vieja entrevista que le hizo Enrique Bolívar Navas, que las canciones son un reflejo de la vida diaria, que la época moderna (hablaba del tiempo en que se realizó la entrevista: los 80) se vinculaba el afecto hacia aspectos menos contemplativos, menos románticos y mucho más ligados a la practicidad de las emociones. En esa oportunidad, dijo el cantante venezolano, que quizás por eso el bolero y las canciones románticas, se difuminaban cada vez más en el tiempo.

Tal vez por eso que comentó Sadel, el bolero, como género musical ha “desaparecido” (¿desaparecido?) del mercado de la música comercial vendedora de millones. En la vida moderna el bolero (tal como lo conocemos dentro de la música popular latina) no tiene cabida (¿no la tiene?), aunque el imaginario de la balada y la salsa romántica, tenga temas y motivos similares. A fin de cuentas el amor siempre ha estado en el aire, solo que en esta época se presenta con características propias.

El arte imita a la vida ¿y lo contrario?

El arte difiere de la vida, es decir es ideal, en el sucede lo que en la realidad sería, por decirlo de algún modo, difícil. El arte es mejor que las personas, mejor que las emociones “reales”, precisamente por eso, porque es “ideal”. Con la música sucede lo propio.

El bolero suena obsoleto en una época donde resulta cursi, casi todo lo que no sea express, todo lo que no sea superficialmente rápido, como los sms, el chat, o las amistades casi anónimas (conocidos desconocidos ¿se han fijado?) del facebook.

Lo revivió Luis Miguel, hace algunos años, le siguió Charlie Zaa la cuerdilla, como producto comercial para la gente de mi generación. Vendieron discos y trajeron a la radio otra vez algunas canciones. Sin embargo, su regreso (¿se ha ido?) fue breve, quizás porque el reggaeton ha ocupado los principales espacios entre las masas calenturientas de jóvenes, que son los principales compradores de discos (no se que pasa que la gente adulta como que no tiene tiempo para la música: son gente tan ocupada, esto es una ironía... por cierto).

Sin cursilerías ni pavosadas de “todo tiempo pasado fue mejor”, puedo decir que me gustan los boleros, están llenos de creatividad y calidad artística. Aunque somos esclavos de nuestra época (he bailado reggaeton, pues si...), quizás en América Latina, necesitemos que tal como Amy Winehouse cantó Body and Soul con Tony Bennett, algunos cantantes “nuevos” se pleguen a la tradición de otros tiempos, por este lado de la geografía.

No tengas miedo, España (2011)

2011-09-13T03:28:00.000-07:00

Lo más asqueroso de “No tengas miedo” dirigida por Montxo Armendáriz, es que parece demasiado real, los actores son tan buenos que te dan asco, sobre todo Lluís Homar, que casi sin hablar deja traslucir la verosimilitud de su personaje.

En la cinta vemos al personaje de Silvia en diferentes etapas de su vida, tratando de dejar atrás su pasado (que no es tal porque lo tiene muy presente) y comenzar de nuevo. Las circunstancias sórdidas de lo que ha sido su vida familiar se narran en un film lleno de detalles y escenas pequeñitas que traslucen –precisamente a través de los detalles- los pormenores de una hitoria muy humana, pero muy retorcida.

¿Si me gusto? Si, es entretenida y a la vez sorpresiva, por el complicado arte de lavar la ropa sucia lejos de casa.

Calificación: 10/10

Daniel Riolobos / Copilación

2011-09-11T14:29:00.000-07:00

Conocí a Daniel Riolobos de un modo azaroso, como casi todo lo bueno de la vida: llego sin esperarlo, de casualidad. Casi sin pensar escuché la primera canción: “Tenaz obsesión”, luego la segunda: "Torpeza", no se que paso, pero de repente me sentí “enganchada” con esa voz que nada tenia que ver con lo que estaba escuchando en ese momento: Lenny Kravitz, algo de Nirvana, Fito Páez... Aunque quizás si tenia mucho que ver conmigo, porque según leí por ahí, Barbra Streisand y Tony Bennett, dos de mis favoritos también eran dos de los suyos.

Para escuchar a Riolobos hay que escarbar por ahi, robarle música a los amigos, escudriñar en las ventas de LP´s underground, rogarle a la providencia, esperar y tener suerte, su música es dificil de conseguir, al menos de este lado del mundo. Sin embargo, vale la pena robar, vale la pena rogar, arrastrarse ante los amigos, pedir favores y volverse un poco más (de por sí todo melómano lo es) investigador.

Hice un poco de todo eso y tengo mi pequeña, minima colección de canciones de Riolobos, quien es como ese aroma que no puedes olvidar, ese olor dulce que te jode y que recuerdas especialmente en Abril, cuando cae la lluvia.

Favoritas: Tenaz Obsesión, Cuenta Conmigo, De Repente, Torpeza, Anoche perdí un sueño, entre otras.

Calificación: 10 /10

Francis Albert Sinatra canta Jobim

2011-09-11T14:05:00.000-07:00

Sinatra no necesita que esta pobre mortal escriba sobre el, pero uno de mis discos favoritos es este que hizo junto a Antonio Carlos Jobim, otro que tampoco necesita que lo nombre... Sin caer en anécdotas que desconozco, sin hablar de elementos técnicos y musicales de los que tampoco sé absolutamente nada, pues no soy músico, puedo decir que este disco de 1967, es uno de mis favoritos del cantante norteamericano, porque conjuga su voz (que ya es una maravilla) con una de los mejores estilos musicales del mundo: la bossa nova.

La bossa nova, esa cosa rara que se parece mucho a ir a la playa y flotar boca arriba con el sol en la cara, casi hundiéndote, pero sin dejar que el mar te tape por completo los ojos que puedes abrir para enceguecerte con el sol. Esa cosa rara que se parece mucho a cuando el tipo que te gusta se te acerca distraídamente para besarte y más si hay una cola, y más sin el semáforo en rojo te da chance. Esa cosa rara que se parece a despertarte sabiendo que no tienes que trabajar, que tienes tiempo de dormir cinco minutos más o diez o veinte...

En este disco, Sinatra es tan expresivo que es capaz de hacerte llorar con su interpretación de Insensatez (mi favorita!!!!), pero al mismo tiempo es tan sobrio, tan comedido, tan sereno, como para transmitir un rompimiento (de eso va Insensatez ¿no?) con la tranquilidad que solo las almas elevadas pueden llegar a tener. No se… me gusta hablar de música, pero me parece absurdo intentar explicarla, sobre todo si llega a la categoría de obra de arte como este disco inolvidable del mejor cantante de todos los tiempos, el ídolo de Luis Miguel y el mío desde hace años.

Favoritas: How Insensitive (Insensatez), y todas, absolutamente todas!

Calificación: 10 /10

Submarine (2010)

2011-09-11T07:23:00.000-07:00

Submarine se parece a una película que filmaría. Es una parodia, es una comedia, con el sello de independiente en cada escena, con el sello de original, de freak quizás, pero tiene mucho humor y a la vez gran seriedad para hablar de las emociones humanas.

Uy eso sonó profundo… pero si, casi todo el cine habla de emociones humanas, aunque suene dramático, porque todo es “emociones humanas” ¿o no? Desde que te levantas y se te cae la jarra de agua en el dedo gordo del pie o te duele la cabeza porque has pasado mala noche. Para Oliver la vida es una gran producción, de la que es protagonista (¿Para quién no?), y narra cada situación que le acontece para sí mismo y para nosotros los espectadores de este film dirigido por Richard Ayoade, quien también es el autor del guión, basado en una novela de Joe Dunthorne.

La película es una pequeña obra de arte estructurada en capítulos, que utiliza recursos de otros géneros como la televisión, el documental, dándole un cariz conceptual muy pop art, muy collage, muy pastiche. Lo que atrapa es mucho más el como, que lo que narra, aunque lo que se cuenta es también interesante, por raro, por poco corriente, sobre todo para ciertos universos.

El cine de Holywood, cuyas fórmulas a ratos manidas no nos dejan imaginar mucho, ocasionalmente, necesitaría creativos como este director británico que cuentan historias simples (como la de un adolescente y sus líos) de un modo fuera de lo común, exagerado, que incluso rosa el sinsentido a ratos, pero todo para mostrar lo que si importa, al menos para algunos.

Una película cute, un relato adolescente, hermosamente filmado, con una bonita fotografía, especial para un domingo de lluvia como este.

Calificación: 10/10

¿Qué estas leyendo?, Borges

2011-09-07T10:47:00.001-07:00

El cine que nos falta por ver, Martin (Hache) 1997, buenos diálogos, a pesar de los estereotipos

2011-09-06T21:36:00.000-07:00

En Martin (Hache) valen los diálogos. La cinta que algunos han tildado de sobrevalorada (quizás con razón) dice muchas cosas inteligentes, pero en líneas generales, nos coloca en un drama que no deja de ser un lugar común.

Adolfo Aristarain no lo hace tan bien en este film protagonizado por Federico Luppi, Juan Diego Botto, Eusebio Poncela y Cecilia Roth, siento que comete algunos errores, como el facilismo con el que resuelve el perfil psicológico de algunos de sus personajes. Nunca le perdoné, por ejemplo, el desenvolvimiento tanguero del personaje de Cecilia Roth, o la exagerada personalidad incomprendida de Martín (F. Luppi). Me parecen irreales e incluso chocantes, los personajes de Roth, la amante drogadicta, llorona, obsesiva, y el de F. Luppi, el director que solo quiere vivir solo, comer solo e incluso quizás… coger solo (es una broma…) Me parecen irreales por el carácter forzadamente trascendental con que actúan en el film.

A veces cuando se quiere ser “diferente” terminas pareciéndote a aquello de lo que te quieres desvincular. El guión de Aristarain, sobre un chico que no sabe que hacer con su vida, y un padre que intenta guiarlo luego de una sobredosis que casi lo lleva a la muerte, trata decir “verdades”, pero termina cayendo en el melodrama, lleno de situaciones forzadas. Es decir, ¿no se puede ser artista sin estar loco, no se puede ser director de cine sin ser huraño, no se puede "pensar" sin ser pesismista? Parece que no, pues para el director argentino, ser inteligente es igual a meterse mucha coca, emborracharse y cuando la cosa se ponen feas, lanzarte a la piscina con un montón de pastillas encima. Lo cual no tendría nada de grave (cinematograficamente) si fuese "verosímil" en la trama, si sucediese con naturalidad y te lo creyeras, pero al menos a mi no me convenció.

He visto Martin (Hache) tantas veces en los últimos diez años, que creo tener el derecho de criticarla a mi aire, me sé los diálogos de memoria, sin duda lo mejor que tiene el film. Podría decir, sin exagerar que muchas de esas frases me han acompañado y las repito por ahí casi como si fuesen mías. Siempre he pensado que como novela hubiese funcionado mejor, pues es sobre todo una película de ideas y no de imágenes, de temas y no de situaciones.

Tal como en su otro film: "Lugares comunes" (2002), ademas de las muy buenas actuaciones de los actores, lo que se dice opaca las situaciones, las cuales parecen ser simplemente una excusa para hablar y exponer algunas ideas suyas.

He aquí algunas de sus frases celebres:

“Eso de extrañar, la nostalgia y todo eso es un verso. No se extraña un país, se extraña el barrio en todo caso, pero también lo extrañás si te mudás a diez cuadras. El que se siente patriota, el que cree que pertenece a un país, es un tarado mental. ¡La patria es un invento! ¿Qué tengo que ver yo con un tucumano o con un salteño? Son tan ajenos a mí como un catalán o un portugués. Una estadística, un número sin cara. Uno se siente parte de muy poca gente; tu país son tus amigos, y eso sí se extraña, pero se pasa”

....

“De qué sexo sean en realidad me da igual, es lo que menos me importa. Me puede gustar un hombre tanto como una mujer. El placer no está en follar. Es igual que con las drogas. A mí no me atrae un buen culo, un par de tetas o una polla así de gorda; bueno…, no es que no me atraigan, claro que me atraen, ¡me encantan! Pero no me seducen, me seducen las mentes, me seduce la inteligencia, me seduce una cara y un cuerpo cuando veo que hay una mente que los mueve que vale la pena conocer. Conocer, poseer, dominar, admirar. La mente, Hache, yo hago el amor con las mentes. Hay que follarse a las mentes”

…………..

“Siempre hay que seguir, aunque sólo sea por curiosidad”

Calificación: 9/10

De Australia "X" (2011)

2011-09-05T20:02:00.000-07:00

La noche que vi X (2011) tuve pesadillas. Cuando me desperté en medio de la madrugada corrí a cerrar con seguro los grandes ventanales de mi casa y al volver a la cama abrace a mi oso… I'm not kidding… toda mujer adulta tiene uno…

En fin… la película australiana dirigida y escrita por Jon Hewitt me trajo muchas sensaciones y visiones de mi pasado.

El cine funciona a menudo como una puerta hacia ti mismo, una puerta invisible hacia tu subconsciente. Cuando “conectas” es porque te habla de ti, aunque sea en clave. Este es el caso, lo que me hizo “click” no fue la trama exactamente, porque no, nunca he sido prostituta como Holly o Shay, aunque si me han perseguido y he tenido miedo, pero no por los mismos motivos que ellas.

De Australia conocemos los canguros, a Nicole Kidman y al difunto Heath Ledger, no se estrenan en las salas nacionales muchas cintas de por esos lados, lástima… porque este film no tiene desperdicio. Para algunos la trama podría ser el sustento de esta película, sin embargo lo que encontré en ella, fue una serie de temas, tocados de forma aparentemente superficial, pero que están allí, claro que, detrás de las persecuciones, el sexo y la violencia que suceden en el film de primera mano.

Para Holly (Viva Bianca) ser prostituta no ha sido un camino de rosas, piensa retirarse a los treinta. La noche en que la vemos por primera vez esta de cumpleaños, so… llegó el momento de obviar su pasado. Llegó el momento de reinventarse, de no estar más “supeditada” a los deseos de otros, nadie más comprará ni su cuerpo ni su tiempo, es momento de ser ella misma.

Para Shy (Hanna Mangan Lawrence) la vida es un peso insoportable, tiene que sobrevivir y no sabe como... Hasta que se le ocurre la genial idea de prostituirse, todo iba mal, pero se pondrá peor...

Para el policía corrupto, amar a una prostituta es una ilusión no calculada, algo que sucedió "porque sí", algo en lo que necesita confiar, algo a lo que se aferra hasta casi ahogar al objeto de su "afecto"...

Muchos temas subyacen en la trama de "X", puede ser una reflexión sobre la prostitución, todo el tiempo se dice, por ejemplo, que una puta es una gran actriz y que el sexo pagado es una gran ilusión que cuesta dinero. Pero puede ser también otras cosas: una película de acción, una drama sobre “la vida real”, un thriller, lo que si garantiza es que no querrás dejar de conocer a donde desembocarán los acontecimientos.

Muchos temas subyacen y tal vez ninguno... simplemente es una historia que me hizo "ver" (verme) de ese modo raro en que las películas te abren (o cierran) los ojos. Por mi parte, me he quedado pensando en todo lo que me suscito, no se preocupen... no no pienso contarles...

Calificación: 9/10

El jazz en el comic para adultos de Fernando Trueba "Chico&Rita"

2011-09-04T06:43:00.000-07:00

"Cada pieza de música es una historia y yo la tengo que rodar, adaptar. La música retrata el cine y viceversa" dijo Fernando Trueba en la presentación de “Chico y Rita” en el Festival de Cartagena en Marzo de este año. Al director español le gusta la música cubana, el latin jazz, el jazz, le gusta la música. Ya lo demostró con su documental “Calle 54” y ahora lo reafirma con su largometraje de dibujos animados para adultos “Chico y Rita”, un homenaje continuo a la música y al jazz.

Javier Mariscal, hizo los hermosos dibujos de este comic, debido a su amistad con el director español, quien le propuso realizar un largometraje mientras realizaban un disco de Bebo Valdés. Este músico cubano, quien sirvió de inspiración para la película, que incluso, le ha sido dedicada.

Chico y Rita tienen muchas cosas a su favor, entre ellas las voces que representan a los personajes, lo hermoso del comic realizado por Mariscal, el guión escrito por el mismo Fernando Trueba, y la música realizada por Bebo Valdés. Mas allá de la historia de amor “imposible” llena de desencuentros, vemos bailar y tocar a Tito Puente, asistimos al asesinato de Chano Pozo, Rita es fotografiada con Marlon Brando en una situación comprometedora, y Charly Parker, Cachao y Dizzy Gillespie aparecen tocando su mejor música.

Como historia de amor es un lugar común, nada que pueda sorprenderte, sin embargo la música (que siempre es lo mejor de todo) se las arregla para darle sentido al film, para mostrar personajes reales de la historia del jazz con los personajes que le dan vida a la animación. Pues se supone que esa fue la idea principal: mostrar momentos fundamentales en la historia de la música cubana y el jazz. Si te gusta el jazz tienes que verla, si te gustan los dibujos animados (como a mi) tienes que verla, si eres fan de Trueba tienes que verla.

Una obra de arte, una verdadera joya de la animación, un poema que te alegra como tan solo puede hacerlo una canción.

Me encantó la voz de Rita (Limara Meneses) y la de Chico (Eman Xor Oña).

Calificación: 10/10

Trailer, El Jefe, Colombia (2011) patética y divertida

2011-09-03T18:44:00.000-07:00

El cine que nos falta por ver, Streisand & Redford, The way we were (1973)

2011-09-03T15:03:00.000-07:00

Yo que soy una huraña, amo a los hombres “socialmente correctos”, esos que saben salir airosos de sus relaciones con los demás, esos que tratan a todo el mundo, aunque piensen las peores cosas de los otros, esos que saben que ser frontal no lleva a ningún lado… aunque yo no pueda dejar de serlo. Es así, lo opuesto atrae, al menos eso que contrasta con nosotros, pero que consideramos “importante” o “de valor”.

Katie Morosky (Barbra Streisand) y Hubbel (Robert Redford) no tienen nada en común, más allá de que estudiaron juntos. No tienen nada en común, pero se gustan, quizás porque se admiran. El admira de ella sus “valores” y “principios” y ella admira de el (un Robert Redford joven y hermoso), su belleza y su carisma.

Sydney Pollack dirije a estas dos estrellas, en lo que fue una película taquillera por muchas razones, pero principalmente por el elenco. Historia de amor un tanto melodramática y exagerada sobre una relación imposible, cuyo valor radica (más allá del film en sí) en lo que representó: el escenario para ver juntos a dos de las más grandes estrellas de la industria norteamericana en su momento.

Ayuda mucho la puesta en escena, los vestidos, el maquillaje, la narración en flash-back, para lograr un relato, al menos entretenido en las diferentes épocas que recrea. No ayuda mucho el cariz político e intenso que se quiere dar, pues cuando se quiere contar una historia tomando en cuenta tantas aristas, solo consigues diluir la mayoría o mostrar muchos temas, pero pasados por agua.

La trama nos muestra una pareja llena de pasión “y osadía” como en la song de Ricky Martin, pero también diametralmente opuesta y contradictoria, pues cada uno se plantea la vida desde una óptica que termina siendo irreconciliable. Katie idolatra a Hubbel, pero quiere convertirlo a su fe y compromiso político, Hubbel ama en Katie todo lo “diferente” que es del resto, pero ansia un poco de frivolidad y despreocupación.

Película romántica que no es una comedia, si no más bien un drama imperfecto. Llena de muchísimas escenas felices gracias a los protagonistas.

Personalmente, con ese Robert Redford yo habría olvidado mis ideales para quedarme calladita besándolo en la boca.

Lo mejor del film: la canción de la película cantada por Barbra Streisand.

Calificación: 08/10

Con Barbra Streisand, Una comedia de Peter Bogdanovich: What's Up, Doc? (1972)

2011-09-02T19:00:00.000-07:00

Una casi irreconocible Barbra Streisand actúa en esta comedia de situaciones, que pretende emular a las viejas películas clásicas de los años 40.

Peter Bogdanovich, planteó en esta, una de sus primeras películas, una serie de situaciones confusas donde pone a Streisand a hacer comedia, al lado de un Ryan O'Neal, antes de las drogas, Farrah (Fawcett) y la decadencia de una carrera que se veía prometedora.

O'Neal venia de protagonizar la lacrimógena (y cursi) “Love Story” (1970) y Streisand su musical ganador de un Oscar “Funny girl” (1968) cuando acudieron al llamado del director para realizar este film. De Streisand no sorprende si pensamos que ya había realizado la cinta de Herbert Ross: “El búho y la gatita” (1970), otra comedia. Sin embargo O'Neal, quien ha tenido luego una carrera dispareja (paso de Kubrick: Barry Lyndon, a cintas bajo presupuesto) se puede decir que se iniciaba bien en este género, siendo capaz de reírse de si mismo (ver escena donde se alude a su personaje en Love Story).

Se dice que Barbra (quien tenia fama de ligar con hombres guapos) se enredó un tiempo con O'Neal, y que de allí parte la buena química de ambos en esta cinta, química que los llevo a pensar podrían repetir con igual resultado en “The main event” (1979).

La anécdota de What's Up, Doc? (1972), es confusa y tonta, en realidad no importa tanto porque el film (quizás debido a lo absurdo del mismo) no nos permite abandonarlo o aburrirnos. Nada de dramas, nada de conflictos, solo sátira, y humor.

Bogdanovich, quien ha escrito sobre cine, deja muy claro que éste le apasiona, pues esta cinta no es otra cosa que un homenaje. Unas ganas de “mostrar” una tradición, y unas películas, que para ese entonces ya habían dejado de hacerse. Algo en el estilo de la cinta de Billy Wilder, Like It Hot (1959), donde todo lo que ocurre es atropellado y confuso… Solo que en esta, no se pretende nada más que hacer reir y sorprender con tontadas y diálogos rápidos.

Barbra Streisand canta “As time goes by” en una escena inesperada y tonta, que se dulcifica con su voz. La moda de Streisand en el film, ha sido emulado por Jennifer Aniston para la revista Harpers Bazar, hace más o menos un año.

Calificación: 07/10

The Tony Bennett Bill Evans Álbum

2011-09-01T14:32:00.000-07:00

Tony Bennett es un clásico como Sinatra, pero esta vivo. También pinta unos cuadritos espectaculares, la pintura quizás es la causante de que tenga ese rostro placido y alegre a sus 85 años. No crecí escuchándolo, es curioso como llega la música a la vida, casi siempre es el azar que te muestra retazos de melodías que luego terminas investigando. A Tony Bennett lo vi en una película con Brad Pitt: "¿Conoces a Joe Black?.".. por ahi como a los 18... y como dicen el resto es historia.

Este álbum de 1975 con Bill Evans, es un buen comienzo si todavía no lo conocen.

Calificación: 10/10

Favoritas: Young and Foolish, My Foolish Heart, Waltz for Debby.

No hay ley en el deseo, Chloe (2009)

2011-08-30T21:21:00.000-07:00

No se si muchos son capaces de admitir que han sentido atracción por gente del mismo sexo. Particularmente, no tengo nada que admitir: nunca me han gustado las mujeres, pero quizás fue solo porque no conocí a Chloe.

Antier noche cansada, vi este remake de Nathalie (2003) la cinta de Anne Fontaine y redescubrí, que a diferencia del cine francés, las películas hechas por la industria cinematográfica norteamericana, tienen una vitalidad, un color y unos “adornos” que deslumbran y te ayudan a “ponerte en situación” mucho más rápido. Claude Chabrol, por ejemplo, filmó muy bien su “Mujer Infiel”, pero la versión de Adriann Lyne “Infidelidad” cobra otras dimensiones, cuando se regodea en los detalles, cuando pone especial interés en destacar la emotividad lúdica de sus personajes y sus bajas pasiones.

En Chloe pasa algo parecido, la versión americana, no digo que sea “mejor” que la francesa, si no que mas bien cuenta de un modo diferente, direccionada a ganarse el interés del espectador, produciendo ciertas emociones que lo lleven a continuar “conociendo” que sigue hasta el último momento del film. Los americanos en el cine son unos grandes contadores de cuentos, se detienen poco en postales, en ideas sueltas, en imágenes, su encanto recae en el relato directo, las actuaciones brillantes y la puesta en escena llena de arabescos que cautiven con premeditación, alevosía y ventaja.

El personaje de Julianne Moore piensa que su esposo la engaña, para averiguar cuanto de cierto hay en ello, contrata a Chloe, una prostituta de lujo, quien se encargara de ponerle trampas, hasta hacerlo “caer”. Si pensamos en las “investigaciones” que se hacen a través del Facebook, (ya leí por ahí que es culpable de unos cuantos divorcios) no nos parecerá muy rara la predisposición de nuestra protagonista por “saber”… y el valor para poner en marcha todo un plan que la lleve a enterarse, solo que esto se tuerce en el camino… y de que modo.

Liam Neeson hace uno de los papeles más sosos de su carrera como el esposo “embaucado”, y Amanda Seyfried seduce a la cámara, dando su mejor actuación, en esta película sobre el deseo en su estado más puro.

Calificación: 10/10

PD: A Amanda le pondría una calificación aparte, por lo bella.

Cine Venezolano, Con el corazón en la mano (1988)

2011-08-26T19:07:00.000-07:00

Si Bigas Luna la hubiese filmado, quizás seria una obra de arte, porque es kitsch y rara, soez y atrevida. Tal como lo fue María Conchita Alonso en los 80, esa época en que todo fue mejor en Venezuela…. Pero al film, además de las escenas de sexo, la confusión y lo extraño de todo lo que acontece, le falta sustento, coherencia a la trama, entre otras cosas.

“Con el corazón en la mano” comienza de un modo inaudito, absurdo, con una violación que mas que violación, parece un acto sexual consensuado, pero con violencia. A una María Conchita Alonso en su mejor momento parece gustarle el juego grotesco con Daniel Alvarado, totalmente animal y ruin, dejando una caracterización que es de lo mejor de la cinta.

Los desnudos de María Conchita Alonso y lo enrarecida de las situaciones que se cuentan no trabajan a favor de una cinta confusa y grandilocuente, que se desdibuja a la mitad porque la trama no cuaja del todo. Esto no es “Celos” de Vicente Aranda, o Jamón Jamón de Bigas Luna, donde el sexo y el desastre tienen coherencia y sentido.

Mauricio Walerstein se pierde y no sabe aprovechar las curvas de Maria Conchita Alonso, ni el talento de Alvarado, más allá de una que otra escena que se queda en la memoria luego de verla… sin embargo ¿quieren ver cine venezolano freak? , esta es su film… pregúntenle a mi pana Alejandro.

La Frase: Para Amar hay que darlo todo... eso me da miedo.

Calificación: 6/10

Bukowski, Documental: Born Into This (subtitulos en español)

2011-08-23T19:19:00.000-07:00

La Vida Loca de Francisco Cespedes

2011-08-21T14:06:00.000-07:00

Para Miriam

Alejandro Sanz siempre lo mencionaba en todas las entrevistas que le hacían, cuando no era tan “famoso” ni tan conocido. Cuando me sucedía mientras vivia en La Guaira, que preguntaba como loca por sus discos y un “¿Alejandro que?” era la respuesta que escuchaba de los dependientes. Antes de “Corazón partio”, antes de las enemistades políticas, antes de todo.

“Mi cantante favorito es Francisco Cespedes”, respondia Sanz de forma invariable. “Y ¿Quién es Francisco Cespedes?” era la pregunta de los periodistas a continuación. “Es un cantante cubano, que me gusta mucho”, simple respuesta que me llevo hasta este personaje.

Yo no lo conocía, nunca lo había escuchado, tenia 18… hace tanto, tanto tiempo de eso… Mejor no recordemos… Pero luego de escuchar por primera vez el promocional de su primer disco homónimo: “Vida Loca” (1998), ya no pude dejar de tenerlo en mente.

Tenia una amiga que se “despechaba” con ese cd (¿te acuerdas?), que repetía frases completas de las canciones. Yo no estaba “despechada”, tenía un novio y era feliz, así que lo que me gustaba era el aire bohemio de sus canciones, su expresividad. Recordemos que en nuestra época (estos últimos diez o quince años) todos los “baladistas jóvenes” quieren ser Luis Miguel, todos cantan igual. Cespedes es autónomo, es original, sobre todo porque es un compositor, no un cantante del montón. Este su primer disco es, en mi opinión, el más completo de su carrera, una comunión perfecta entre letra y música. Poemas con melodía, canciones atemporales como lo son todas aquellas que formaran parte de la historia de la música.

Favoritas: Remolino, Como si el destino, Vida Loca, Morena, Señora, Que hago contigo.

Calificación: 10 /10

Spike Lee joint!

2011-08-20T17:44:00.000-07:00

El fin de semana es así… a veces… tengo flojera de escribir, tengo flojera de decir lo que estoy pensando: ahora mismo pienso en que la gente cambia, es raro eso de dejar de ser quien has sido, pero sucede. No a mi, pero sucede... Yo soy como las películas de Spike Lee, que puedes verlas en cualquier época y te siguen pareciendo oportunas. Es decir o el mundo ha permanecido igual o el director norteamericano ha hecho méritos para crear una obra con características inamovibles. Sus películas son reales, verdaderas, originales, creativas, artísticas.

La gente cambia, el cine too, pero el mundo permanece más o menos con los mismos conflictos y tensiones, esos son los que "muestra" Lee en sus films. Esos mismos, que yo no he resuelto desde los quince o desde los 20 cuando vi la filmografía completa de este director.

Lee es un tipo culto, un tipo que va contra los lugares comunes, un tipo al que no le importa decir “no es que seas negro, es que eres flojo”, “no es que seas negro… no te escudes en algo tan tonto como el color de tu piel para joder”. Por eso muchos “negros” lo odian y lo acusan de “negro falso”, por eso mucha gente lo considera inteligente y atrevido. El esta “un paso adelante” de ese pensamiento endorracista miserable que se esconde en las "defensas" que podemos hacer de un grupo de personas solamente por su color de la piel.

Hablo con conocimiento de causa: no eres mejor porque seas negro, no vales mas, tu sangre no es diferente. Spike Lee creo que sabe que eso de "negros" y "blancos" es otra trampa de la Matrix. Sin embargo, el trata de explicarnos -como lo haría un historiador o un cronista- como se desenvuelve un grupo social, ese al que pertenece.

Las películas de Lee son una reivindicación del cine independiente y de la inteligencia. He aquí algunas que no debes dejar de ver… el análisis para otro día, recuerden que es vísperas del domingo… lazy total…